Linea de Tiempo

"Unapologetic work of a data parasite"
Naoe Suzuki
El instituto Broad del MIT y Harvard es un centro de investigación dedicado al estudio de genómica para las ciencias biomédicas. Su programa de residencias para artistas (artist-in-residence program) permite el trabajo conjunto entre científicos y artistas que beneficia a ambas disciplinas. Naoe Suzuki, artista visual, ha formado parte de este programa y ha desarrollado diversos proyectos durante su residencia desde 2016 hasta 2017. Suzuki cuenta que el Broad es un experimento en donde la gente te incita a tomar riesgos, impulsando la creatividad. Uno de sus trabajos surge luego de merodear por el instituto y observar los pizarrones llenos de fórmulas y escritos que dejaban los científicos. "Unapologetic work of a data parasite", como así lo llamó, es una especie de collage de estos pizarrones que ella encontró y le resultaron llenos de energía y pasión, aún cuando no entendía qué significaban.

https://naoesuzuki.com/section/450829-Unapologetic-work-of-a-data-parasite.html

1875
"Potato Harvest" Max Liebermann
Óleo sobre lienzo
Los tonos oscuros en la superficie parecen reforzar la idea de una labor ardua sobre la tierra.
En aquella época, en Francia la papa era considerada alimento de clases bajas y rechazada por los más adinerados.

1892
"Slika 329. Krompirjeva plesen"
Martin Cilenšek
Posterior a la gran hambruna irlandesa. Representación del parásito que se alojaba en las plantas de papa, Phytophthora infestans.
Publicado en un manual sobre plantas dañinas (Naše škodljive rastline), por lo que no importa tanto la semejanza con la realidad sino una representación que permita la comprensión del funcionamiento del parásito.

Mutoscopio
Patentado por Hernán Casla el 21 de noviembre de 1894.
Fotos en blanco y negro (7.0 cm × 4.8 cm).
La manivela permite girar la bobina a la que están sujetas las fotos. La imagen en movimiento se ve a través del visor en la parte superior.
El dispositivo consiste en una bobina con fotos (aproximadamente 850), la cual está ligada a una manivela que se puede controlar libremente (se puede frenar y girar en sentido levógiro o dextrógiro). A través del visor podemos observar la foto correspondiente, la cual es iluminada por una lamparilla. Para que se produzca la ilusión de movimiento, la manivela debe ser girada con cierta velocidad de forma constante, de manera que se consiga un efecto similar al de un folioscopio

Gallery of the Louvre-1833- Samuel Morse se formó en la Royal Academy of Arts de Londres y cofundó la Academia Nacional de Diseño en Manhattan; pero su carrera como artista se ve ensombrecida en gran parte por sus contribuciones a las comunicaciones. Después de que sus pinturas no obtuvieron elogios en Estados Unidos, Morse recurrió a la electromagnética. Pero lo que finalmente le hizo conocido, fue la invención del telégrafo y el código Morse. Sin embargo, sus ambiciosas obras de estilo neoclásico, como la Galería del Louvre (1831-33) e incluso sus retratos de figuras famosas como Eli Whitney y John Adams (que creó a regañadientes para mantenerse), son testamentos de su habilidad bien afilada.
https://www.artycultura.net/2016/04/la-aficion-no-tan-oculta-de-morse-la.html

The falling man 2001
Fotografía tomada por Richard Drew con una cámara profesional
Durante los atentados del 11 de septiembre de 2001 contra las Torres Gemelas del World Trade Center, a las 9:41:15 de la mañana. En la imagen, se puede ver a un hombre caer desde la Torre Norte del World Trade Center, que seguramente eligió saltar al vacío para evitar morir abrasado por las llamas.
La publicación del documento poco después de los atentados encolerizó a ciertos sectores de la opinión pública, en su mayoría estadounidense. Sólo fue publicada una vez en bastantes periódicos estadounidenses, ya que recibió numerosas críticas que consideraban que amenazaba la privacidad de la persona retratada al momento de su muerte. Acto seguido, la mayoría de los medios de comunicación se autocensuraron, prefiriendo mostrar fotografías de actos de heroísmo y sacrificio. Richard Drew, el fotógrafo, respondió a varias opiniones diciendo «Esta fotografía muestra cómo afectaron los atentados a las vidas de la gente en esos momentos, y creo que eso explica por qué es una imagen importante. No fotografié la muerte de esa persona. Fotografié una parte de su vida. Eso es lo que decidió hacer, y creo que conseguí inmortalizarlo.

Agujero Negro 2019
A- Primera imegen de un agujero negro. 2019. El agujero negro sido bautizado como Powehi, una frase hawaiana que se refiere a una “fuente oscura embellecida de creación interminable”.
B-Ningún telescopio es lo suficientemente potente como para captar la imagen de un agujero negro. Por ello se requirió una red de ocho observatorios combinados, en la iniciativa EHT(Event Horizon Telescope), que puede visualizarse como un gran telescopio virtual del tamaño del planeta.

C- Primera imagen que muestra un anillo brillante formado cuando la luz se dobla en la gravedad intensa alrededor de un agujero negro que es 6.500 millones de veces más masivo que el Sol

D- Se describe esta operación como "una extraordinaria hazaña científica"."Hemos logrado algo que hace una generación se consideraba imposible", señaló el director del proyecto EHT. Avances en tecnología, conexiones entre los mejores radio observatorios y algoritmos innovadores se combinaron para abrir una ventana completamente nueva a los agujeros negros"

Disco boi-2020- stop motion
El material que da soporte al proyecto es la plastilina y una cámara.
Se utiliza un objeto inanimado el cual se manipula en pequeños movimientos que son fotografiados y posteriormente esa combinación de imágenes permiten crear la ilusión de que ese objeto se mueve solo, que toma vida. En este caso el autor deja en la biografía del video los programas que uso para editar además el video y el sonido.
El mecanismo utilizado es el Stop Motion (Animación en volumen) , que es una técnica cinematográfica en la que, a través de una sucesión de imágenes fijas, se simula el movimiento de objetos estáticos
Link : https://youtu.be/ln_eERVjwjY

1883
''Träume'' (Dreams)
Max Klinger

1893
Sin Titulo (Sprinter)
Étienne-Jules Marey

1815
"A Delineation of the Strata of England and Wales, with Part of Scotland."
William Smith
(Alias: Strata Smith)

a) Bomba atómica sobre Nagasaki, Japón, Agosto 1945, autor desconocido.
b) Fotografía analógica en blanco y negro.
c) Para lograr la foto, el fotógrafo tuvo que estar a mucha distancia de la explosión, por cuestiones de salud, y por la producción de la foto, ya que la intencionalidad era apreciar la dimensión, amplitud y forma de una explosión de esas características.
d) Se puede inducir que la foto es tomada por una persona que trabajaba con el gobierno norteamericano. Como registro del acontecimiento, como un manifiesto de superioridad. Podría analizarse como una foto periodística, como también un registro de la singularidad físico-química de las explosiones a altas temperaturas, denotándose la figura de “hongo”.

a) Kamaitachi No. 03, Eikoh Hosoe, 1968.
b) Fotografía analógica en blanco y negro.
c) Para lograr la foto, el autor cubrió parte de la cámara con algún material, dando la sensación de que la foto fuese vista desde un ojo. La única fuente lumínica es de luz natural, que parecería ser o el amanecer, o el atardecer, ya que el efecto de contraluz en el cuerpo solo puede ser conseguido cuando un cuerpo se ubica entre la fuente lumínica y el objeto que captura la luz.
d) La sensación de la obra artística muestra una mirada subjetiva de la realidad. Como si fuese vista desde “el ojo” del fotógrafo. El ojo es la cámara, pero el filtro que el fotógrafo le construye profundiza la idea de “la cámara como el ojo”. En japonés, la palabra para fotografía es “shashin”. Se compone de dos ideogramas “sha”, que significa reproducir o reflejar, y “shin” que significa verdad. El drama de la imágen, la imagen de una persona corriendo desesperada sin dirección clara, solo de A a B, nos muestra la cosmovisión del Japón de post-guerra. Una realidad/pesadilla, atravesada todavía por las heridas, el dolor y la paranoia de los años que vivieron. El ojo no lo ve todo, ve un recorte, y lo traduce a partir de sus codigos de representacion. Hay algo oculto, una realidad atemorizada, una perspectiva frente a la realidad que tiene nuestro fotografo, una mirada surrealista y vivida de su presente.

1889
"El Cristo Amarillo"
Paul Gauguin

1866
Árbol de la vida según Haeckel, E. H. P. A.
Ernst Haeckel

1867
Péndulo de Ondas
Ernst Mach

Into the Inferno (2016) es un documental dirigido por Werner Herzog que cuenta con la colaboración del vulcanólogo Clive Oppenheimer. En éste, ambos colaboradores realizan la exploración de volcanes activos ubicados en Indonesia, Islandia, Corea del Norte y Etiopía. El trailer del documental nos
anuncia “Obviamente, nuestro viaje tenía un propósito científico, pero lo que realmente estábamos buscando era su lado mágico”. Además de explorar los volcanes y su comportamiento, Into the Inferno explora la tradición cultural de los pueblos cercanos a estos volcanes, así como el impacto psicológico que esta convivencia produce. Es por esto que no solo podemos pensar al documental como una colaboración entre arte audiovisual y vulcanología. Podríamos decir también que hay una relación con la sociología, la antropología, la psicología, la filosofía y la teología.

Óleo sobre lienzo.

Gauguin sigue la técnica del “cloisonné” inspirada en los esmaltes y vidrieras. Tambien emplea su habitual uso de colores planos y vibrantes y contornos en negro o azul. Su método de pintar era trazar directamente sobre la tela los contornos, construir el decorado y las figuras y luego rellenar con color.

La figura central de Cristo está inspirada en una talla policromada del siglo XVII, de la capilla de Trémalo. Junto a él se encuentran tres mujeres bretonas que representan a las Marías en la Crucifixión. Su posición reverente sugiere la misma devoción que se ve en otro cuadro de Gauguin, “La visión tras el sermón”. Al fondo, una figura salta una valla, evadiendo la escena que algunxs interpretan como un estado de ánimo habitual del pintor. Al fondo, el campo y las casas de Bretaña, región francesa en la que se pintó la obra.

a. Mars Express HRSC (High Resolution Stereo Camera) imagen de Phobos por Gerhard Neukum. (2011)
b. Fotografía digital en formato 3d.
c. La superposición de los diferentes planos y colores nos indica la posibilidad que sea una imagen tomada por una cámara estereoscópica. Por otro
lado, el grado de detalle que podemos apreciar de este satélite natural en la fotografía nos dice que esta probablemente fue tomada, o bien desde un dispositivo llevado al espacio, o bien desde una cámara con altísimo grado de zoom y recepción de imagen a la distancia.
d. Si contamos con que la imagen es tomada digitalmente, tenemos como año base de su producción al año 1975 (año de creación de la primer cámara digital) pero al ser utilizada también la tecnología estereoscópica y un zoom muy potente o su realización en pleno espacio, calculamos que la fecha de su producción es por lo menos unos años después de esa fecha.

(Danza de péndulos) https://www.youtube.com/watch?v=RrX2yTGJ6N0

Fue construido en el siglo XIX por el físico austriaco Ernst Mach.
Este juguete puede construirse de muchas maneras. En cuanto a la materialidad lo esencial es que los péndulos sean iguales y puedan colgarse.

Los péndulos colgados de algún soporte están alineados horizontalmente y dispuestos a una misma distancia. La longitud de los hilos de los que cuelgan deben ir disminuyendo gradualmente para que se logre la ilusión óptica de movimiento

Cuando los péndulos se suspenden al mismo tiempo producen el efecto óptico de ondas que cambian con el tiempo y que se repiten al terminar cada ciclo. Los péndulos al ser de diferentes longitudes tienen diferentes periodos, es decir, el tiempo que tarda en completar una oscilación. La imagen que vemos va cambiando dependiendo de cuantas oscilaciones de diferencia hay entre un péndulo y el otro. Por eso se producen movimientos que parecen de serpientes, de grupos que se mueven sincronizados por separado o completamente aleatorios. Al final, todos terminar de balancearse al mismo tiempo.

La banda Crystal Fighters utilizó esta danza de péndulos para el videoclip de su canción Wave. https://www.youtube.com/watch?v=66lguXotwjM

Ilustración sobre papel. De su obra "Morfología general de los organismos".

Su trazado y las palabras escritas parecen
indicar el uso de una pluma sobre papel. (tinta)

Fue el primer dibujo de un árbol genealógico
filogenético, o árbol de la vida. El uso del latin,
propio del lenguaje científico, y el contenido de la
ilustración en sí reafirman que es una imagen
científica.

MIT Media Lab es una organización académica y de investigación dentro de la Escuela de Arquitectura y Planificación en el Instituto de Tecnología de Massachusetts que se fundó en 1985. Está comprendida por diseñadorxs, ingenierxs, artistxs y científicxs que promueven una cultura de investigación interdisciplinaria. Pattie Maes, profesora en el programa de Arte y Ciencias de los Medios, cuenta como Media Lab contempla a todas las diferentes tecnologías tanto a la computadoras y dispositivos electrónicos como a la biología, diseño, música, etc. El foco está en como nuevas tecnologías pueden cambiar el modo en el que la gente vive, trabaja, aprende, se divierte y comunica. Lxs artistxs que residen aquí cuentan con las herramientas y los grupos de investigación necesarios para llevar a cabo proyectos que incitan a aprender a través de experiencias únicas.

https://www.media.mit.edu/about/overview/
https://www.media.mit.edu/graduate-program/about-media-arts-sciences/

a. Artwork de The life of Pablo de Kanye West por Peter De Potter. (2016).
b. Imagen digital.
c. La “limpieza” del color de fondo y la precisión de los bordes de las fotos utilizadas en el collage, sugieren que la composición fue producida digitalmente.
d. Por lo tanto, podemos deducir que la imagen fue realizada como mínimo a fines del siglo XX. Sin embargo, si analizamos el estilo de la composición y el concepto de la segunda fotografía, podríamos decir que la producción de esta imagen fue más bien adentrado el siglo XXI.

El ‘European ARTificial Intelligence Lab’, co-fundado por el ‘Creative Europe Programme’ de la Unión Europea, ofrece a artistxs internacionales que trabajan en el campo de la inteligencia artificial la oportunidad de obtener una residencia en el Ars Electronica y en una institución científica asociada, elegidas mediante la votación de un jurado.
El objetivo del laboratorio es enfocarse en aspectos que van más allá de lo tecnológico y económico, para adentrarse en cuestiones sociales, psicológicas y espirituales.

a. Rotating Snakes (2003)
b. Imagen digital
c. Al ser una imagen digital podemos deducir que fue producida en computadora.
d. Los elementos blancos y negros son procesados más rápidamente que los elementos verdes y azules por nuestros ojos y nuestro cerebro. Este interpreta
aquella diferencia como movimiento aunque la imagen sea fija. Este efecto es conocido como deriva periférica. Es, justamente, más potente en la visión periférica, ya que en la zona central de la retina es dónde más fotorreceptores
hay y esto nos permite tener una visión focalizada mucho más nítida en esta zona. Es por esto que al hacer foco en algún punto en particular, el aparente movimiento se detiene en esa zona mientras que persiste en nuestra visión periférica.

a) Margaret Mee, ‘Bromeliad Heorogeiia’ (1950-1980)
b) Ilustración color sobre papel
c) La leve transparencia en las hojas inferiores de la imagen puede suponer el uso de acuarelas en la realización.
d) La obra es una representación fiel de la planta en cuestión. Dicha intención de lograr una representación fidedigna del referente puede indicarnos la proximidad temporal de la imagen. Por otro lado, la representación artística de la botánica para su uso en material científico con tal nivel de detalle y color indican que se trata de material posterior al siglo XVIII.

a) Remedios Varo, ‘Mujer saliendo del psicoanalista (podría ser Juliana)’ (1960)
b) Óleo sobre tela
c) La superposición de colores; el tono metálico de los mismos; las diferentes capas y el volumen generado denotan el uso de óleos para la realización de la pintura.
d) El misticismo; la figura antropomorfa; la aparente relación con el mundo de los sueños y el inconsciente indican que se trata de una obra surrealista, situada dentro del siglo XX

a) “Fresh Guacamole”, Adam Pesapane (2012).
b) Plastilina, cámara y objetos varios.
c) La obra comenzó como una comisión por parte de la cadena estadounidense “Showtime” para ser publicado en su canal de YouTube. Su autor, tardó dos meses en completar la producción del video.
d) La sensación de movimiento es generada mediante la técnica “stop motion”, en la cual lx autorx toma una cantidad de fotos que luego al colocarse una tras otra sucesivamente, generan la idea de movimiento. Esta técnica permite dar “vida” a objetos inanimados y modificar el resultado de acciones cotidianas, como cuando la pelota de baseball es cortada y se transforma en una serie de dados.

A-Título: “Cuadros de una Exposición” (ready made-T.V) - Año: 2006
B- Impresión Digital sobre Tela
C- Al ver a primera vista la obra sabemos que se utilizaron imágenes de interferencia televisiva.
D- La elección justamente de éstas imágenes de video dejan al descubierto la época en la que se enmarca.

1952
a) Sodium Thymonucleate
"Fotografía 51/Photo 51" (1952)
Rosalind Franklin (no acreditada en su momento)
b) Difracción de rayos X (técnica)
c) Una pequeña muestra de ADN fue montada dentro. El rayo X lo iluminó por más de 60 horas, lo que permite capturar la doble hélice del ADN
d) El hecho de que esta en blanco y negro, ademas de que se ve borrosa muestra su antigüedad

2) David S. Goodsell
A- Título: “Ebola Virus” - Año: 2014
B- Ilustración en Acuarela y Tinta de una sección transversal de una partícula del virus del ébola, que aparece rodeado por una membrana entre rosa y púrpura.
C- No encuentro algún detalle que denote el modo de producción, pero a mi parecer los colores o el tipo de utilización de los mismos me hicieron pensar en una ilustración.
D- El elemento representado en la ilustración se enmarca en un momento específico en la historia, ya que el virus aparece a mediados de los años 60. También el poder representar de esta manera tan específica y realista la partícula del virus denota un avance tecno científico.

1945
a) "El Osario/The Charnel House" (1945) - Pablo Picasso
b) Pintura sobre lienzo
c) Óleo y carbón
d) Las formas abstractas en la obra representan los cuerpos asesinados en el holocausto y fue inspirada por fotografías en tiempos de guerra

Pulse Room (2006)
Rafael Lozano-Hemmer es un científico de físico-quimica mejico-canadiense que decidió usar sus conocimientos científicos para obras artísticas, en este caso una instalación interactiva que consistía de una habitación llena de luces de bombilla colgadas que se prendían y apagaban constantemente. Estas eran capaces de detectar el latido de tu corazón a través de una interfaz que contenía un sensor, el cual al ser agarrado, una computadora iba a poder detectar tu pulso. Para representar esto, las luces se apagaban y prendían al ritmo del corazón de la persona, y se grababa en la primera bombilla de luz de la sala, borrando así el grabado de la ultima luz de la sala

2008
"Heart Gems" Gary Greenberg
Fotografía microscópica de granos de arena tomada con un zoom de 2000%
Aunque la imagen fue parte de una investigación científica, el autor se refiere a su trabajo como 'una búsqueda del arte en la naturaleza'
Greenberg había comenzado a trabajar con microscopios en la década de 1980, pero no logró conseguir dispositivos con el zoom que deseaba hasta el año 2001.

2014
"Me Enamoré 18 Veces Pero Solo Recuerdo 3" Mariana De Matteis
La obra presenta un dormitorio cubierto por arena. Ésta es utilizada, junto con el desorden y la posición de algunos objetos, para representar el abandono o soledad.
El estilo de los muebles y ciertos elementos que aparecen el la habitación, como la televisión, maquillaje o una computadora portátil, permiten posicionar esta obra en el siglo XXI

1995
a) Fondo de pelea (Earthbound) - 1994/1995
b) Animación digital por pixeles
c) uno de los muchos fondos de pelea hechas para este vídeo-juego. Los fondos de pelea usaban distintas técnicas de animación que podia soportar la consola de 16 bits para producir efectos audiovisuales
d) En el caso de el fondo que se muestra arriba, se uso la tecnica de Color Cycling/Palette Shifting, la cual es una técnica usada en gráficos de computadora en la que se realiza un cambio de colores en una imagen en vez de moverse la imagen en si, logrando una ilsuión de movimiento usando menos espacio. En este caso se puede ver en el medio como se traslada el color de abajo para arriba, y en los costados como se trasladan hacia el centro. También cabe mencionar que se encuentran casi 16 paletas de colores de amarillo, las cuales dan el efecto de oscurecimiento y aclaración constantemente

Sonidos del
Antropoceno

“Extraer una voz en forma de sonido y de música de la huella que el hombre irreversiblemente dejó sobre la tierra”.

Sonidos del Antropoceno es una instalación audiovisual que, utilizando estos datos del impacto humano en la tierra, genera una partitura sonora que se ejecuta en tiempo real.
El autor utiliza cinco marcadores: deposición de plutonio, plástico en los océanos, fabricación de aluminio, asentamientos urbanos y deposición de partículas de carbono en los núcleos de hielo. Un software calcula cuanta luz solar recibe cada uno de estos indicadores en tiempo real mientras la tierra gira. A su vez , cada uno de estos marcadores cuenta con un dispositivo asociado que reacciona al estímulo solar ; por ejemplo cuando se activa el sensor asociado al plástico que hay en los océanos ,hace vibrar un recipiente que contiene plástico, tomando los datos de la contaminación y transformando sus variables en distintas dinámicas sonoras .
Si bien la performance se realizó en 2018 la investigación inició en 2016.

-Acerca de la obra:
https://www.funintec.org.ar/_dev/wp-content/uploads/Sonidos-del-Antropoceno.pdf
-Performance en vivo:
https://www.youtube.com/watch?v=4km5eb2EWOw

ZOÓTROPO
“Rueda de la Vida”
Horner - (1834)

Reversiones del Zoótropo:
• https://www.youtube.com/watch?v=tqEVTfGqo8M
• https://www.youtube.com/watch?v=CaI3ZFs_oEc
• https://proyectoidis.org/drehkino/

“ Humboldt debe ser considerado por ello, cuanto por las ideas que postula sobre la actividad artística, como el creador de un tipo de arte : el arte científico. Una dimensión del arte ésta, que si bien no era nueva, adquiere personería cabal con los requerimientos de las expediciones científicas de fines del dieciocho y primera mitad del diecinueve; y que sólo desaparece cuando la fotografía logra superar la «objetividad» del artista. “

“ Alexander von Humboldt, en su forma de sentir y reproducir la naturaleza, defendió una visión del paisaje en la que se integran los elementos geográficos, naturales y humanos. Entendió su representación como una combinación entre el conocimiento científico y la imaginación del artista, conformando un género pasiajístico inspirado en la perfecta unión entre arte, ciencia y sentimiento. “

El Zoótropo o Cámara Estroboscópica ,compuesta por un tambor o caja cilíndrica, con unos cortes, a través de los cuales el espectador que mire podrá ver los dibujos en dispuestos en tiras pero en movimiento una vez que el dispositivo se encuentre girando. Este movimiento giratorio lo realiza el espectador de manera manual sobre el dispositivo óptico.

1896
Radiografía de las manos de la duquesa y duque de York

por Wilhelm Röntgen

1894
"Noli me tangere"
Óleo sobre lienzo (144,7 x 168,3 cm)

Fritz von Uhde

https://www.youtube.com/watch?v=bcstc1ozczQ

a- Persistences of Vision (2011)
b- Bola de plástico semitransparente con un led RGB dentro parpadeando intermitentemente
c-
d- La bola a simple vista parece que parpadea con el color violeta, pero al hacerla girar en círculos vemos varias bolas de color rojo, verde y azul consecutivamente, una atrás de la otra. El fenómeno se produce porque cuando vemos la bola quieta nuestros ojos y cerebro no pueden refrescar las imágenes a la velocidad que parpadean, que es muy rápida, pero cuando ponemos la bola en movimiento podemos ver los colores encendiéndose en distintos puntos del espacio, por eso ya no se mezclan y los podemos ver individualmente.

Ars Bioartica es una residencia de arte y ciencia, impulsada por Bioart Society. Es una iniciativa con foco en los ambientes sub-árticos. En coolaboración con Kilpisjärvi Biological Station of the Faculty of Biological and Environmental Sciences, University of Helsinki, Ars Bioartica promueve proyectos entre artistas y cientificos con el objetivo de desarrollar y discutir una nueva forma de pensar la relación del humano con su entorno natural. La residencia está ubicada en Kilpisjärvi, al norte de Finlandia. Se realizan 4 residencias por año, de 2 a 4 semanas de duración, y se reciben aplicaciones de artistas de cualquier disciplina y de cualquier etapa de su carrera profesional.
Link con trabajos hechos en la residencia:
https://www.bioartsociety.fi/projects/ars-bioarctica/posts

A) Monocot Stem: Zea. Cross section: Zea stem - Fayette A. Reynolds M.S. (2014) para el área de biología de Berkshire community college.
B) Fotografía digital del corte del tallo de una planta de la familia Zea. La imagen fue tomada con un microscopio Nikon Eclipse que tiene una cámara digital integrada.
C) No encuentro nada que detalle su producción.
D) El corte de una sección de una planta es común en el estudio de la biología.

Autores: Andrés Vesalio / Jan Van Calcar.
Del Libro “Humani Corporis Fabrica” (“La fábrica del cuerpo humano”) Siete tomos.
Año: 1543 - Siglo XVI

Material: por un lado físico madera, papel y tinta (xilografía). Medicina. Ilustración.

Basado en el estudio de la anatomía humana. Renacimiento.

Autopsia (ver por ti mismo) e imitación (captar la realidad natural). Ver el interior del cuerpo humano. Imágenes que puedan hacer posible la experiencia visual, sobre todo de objetos distantes, que la imagen pueda reemplazar al objeto de observación

Autor: Alberto Durero – “El sueño” – Siglo XVI – Edad Moderna. Año: 1525.

Pintura en acuarela.

Basa su pintura en una pesadilla que tuvo.

Introduce la fantasía, la imaginación. Prescinde de la experiencia real para plasmar otra nueva realidad.

Mapa de la luna
(Carte de la lune) -
Giovanni Cassini

Ilustración sobre papel (Fueron hechas varias copias de la original para que sea conservada)
Los trazos dan muestra de que es una ilustración. Cassini fue dibujando mientras vería la luna a través de un telescopio, lo que lo llevó a ir reconociendo ciertos cráteres de esta. Además en la parte de abajo, podemos ver como de un cráter sale la figura de una mujer. Se dice que en aquella época se creía que en la luna había un cráter cuya forma era parecida a la de una mujer real.
Éste fue el primer mapa hecho de la luna.

Donato Creti - Observaciones Astronómicas (Osservazioni Astronomiche) - La Luna

Óleo en lienzo, 51x35 cm.
Los trazos dan a notar que fue hecho en óleo. La forma en la que se representa la luna en esta pintura, demuestra que fue basada en el Mapa de la Luna de Cassini. Una de las formas que lo dejan en claro es ese cráter que se puede ver con "forma de corazón" hacia la izquierda de la ilustración.
Además, esta pintura pertenece a un grupo llamado Observaciones Astronómicas, el cual consiste en distintas pinturas de los astros: El Sol, Júpiter, Saturno, Venus, Marte, Mercurio y El Cometa. Éstas fueron hechas para ser enviadas al papa, en fin de convencer a la iglesia de la importancia de un observatorio astronómico.

DURERO SUEÑA CON UN DILUVIO.
acuarela. 30x43cm

“La noche del miércoles al jueves después de Pentecostés (7-8 Junio de 1525), vi en sueños lo que representa este dibujo: una multitud de trombas de agua que caían del cielo.La primera golpeó la tierra a una distancia de cuatro leguas: la sacudida y el ruido fueron terroríficos, y toda la región se vio inundada.

Tanto me hizo padecer aquello que me desperté. Después, las otras trombas de agua, espantosas por su violencia y su número, golpearon la tierra, unas más lejos y otras más cerca. Y caían de tan alto que parecían bajar todas con lentitud. Pero cuando la primera tromba estuvo muy cerca ya del suelo, su caída se hizo tan rápida e iba acompañada de tal ruido y de huracán que me desperté, temblando como una hoja, y tarde tiempo en reponerme. De suerte que, una vez levantado, pinté lo que aquí arriba vemos. Dios encamina las cosas hacia su mayor bien”

(Sólo el ingenio sobrevive…el resto está destinado a la muerte.)

Jules Verne - Itsvan Orosz
Ilustración de un paisaje, que cuando apoyamos un espejo cilíndrico en donde está ubicada la luna, podemos ver reflejada una ilustración de Julio Verne. Ésta técnica está basada en la Anamorfosis, llevada a cabo a fines del 1600 por el matemático Jean-François Niceron.

A) 1978 Gold Candy - Mike Winkelmann (2014).
B) Arte Digital, hecho con el Software Cinema4D.
C) La imagen es parte de una serie del artista en la que publica una obra por día, tanto en su sitio web como en sus redes. En sus propias palabras, se le ocurre un concepto en el día y lo lleva a cabo, sin importarle mucho qué contexto tiene la imagen en particular.
D) El uso de la iluminación virtual es una técnica común para simular un espacio real, tratando de parecerse a una suerte de publicidad por como está puesto el texto por debajo del objeto con menor énfasis.

Daphne Oram - Oramics Machine
Ingeniera británica, conocida como la primer compositora de música electrónica de la historia.
Su aporte a la tecnología fue crear lo que ella llamó la Oramics Machine en el año
1959. Una máquina con la cual podía generar sonidos sintetizados a partir de
dibujar formas (generalmente formas de onda o diversos tipos de líneas,
para dar una idea).
Ésta idea vino de otro concepto científico y tecnológico utilizado en la
guerra, llamado mapeador de video, introducido a Daphne por el ingeniero
Graham Wrench. Éste permitía escanear imágenes fotográficas y
superponerlas con imágenes de radar.
Oramics consistía en varias máquinas con fotocelulas, las cuales "leían"
estos dibujos hechos en cintas de película de 35mm, los cuales hacían
modular la luz. Lo que permitía era hacer varios dibujos, para controlar
distintas características del sonido a crear, como la amplitud, el vibrato, la
frecuencia, el timbre, el tremolo y la amplitud.
Lo que obteníamos como resultado, era una señal eléctrica, cuyas
características eran análogas de alguna forma a los dibujos hechos en la
película, la cual luego era transducida a sonido.

Obra: Living Distance ~ Xin Liu (2019)

Living distance es una obra de la artista Xin Liu que consiste en una instalación de 2 canales de video donde se muestra por un lado una performance de la artista en la tierra y por el otro la de una escultura autónoma diseñada para moverse en gravedad cero por ella y su estudio (Slow Immediate). Dicha escultura robótica fue lanzada en un vuelo suborbital por el MIT Media Lab Space Exploration Initiative en el cohete New Shepard de Blue Origin.

Como ya fue mencionado el espacio del MIT Media Lab, voy a hacer una descripción sobre el programa de iniciativa de exploración espacial: En un contexto de mayor acceso al espacio como “lugar público” (esa es su forma de expresarlo, yo preferiría describirlo como un acceso mayor de personas no necesariamente especializadas en ciencias/desarrollos espaciales) al abaratamiento de costos de dicho acceso, busca hacer del Espacio un lugar más accesible e interesante para un “público más general”, de una manera similar a lo que sucedió en la Biología con el Bio-Hacking. Su objetivo es incentivar y “democratizar” el futuro de la exploración espacial, creando ideas y prototipos que podrían terminar siendo de uso común en un futuro, haciendo abiertos sus diseños y posibilitando la utilización de herramientas particulares como constelaciones de satélites.

A) "Rotating snakes" - 2003.
B) Imagen Digital.
C) La simetría de las imágenes que componen la obra es sumamente precisa por que está hecha con software digital.
D) La ilusión se genera a través del movimiento percibido por nuestra visión periférica y la diferencia de luminancia de los elementos más oscuros a los más claros.

A- Sin Título, 2020.
B- Fotografía microscópica de la glándula suprarrenal de una rata con nanopartículas magnéticas implantadas (dentro de los recuadros blancos).
C- La imagen es producto de la captura sobre la observación directa de la glándula a través de un microscopio, lo que indica que pertenece al ámbito de investigación científica, particularmente medicinal. Los recuadros blancos parecen ser producto de la postproducción de la imagen con el fin de marcar los implantes, forma parte de una investigación actual para estimular la liberación hormonal en tratamiento de “desórdenes” de salud mental, tales como el estrés o la depresión.
D- Probablemente la imagen haya sido generada teniendo en cuenta códigos específicos al ámbito científico; como podrían ser el aumento y la colorimetría utilizadas con el fin de observar mejor los implantes y la respuesta de la glándula al magnetismo.

a) Sín título, 2020. Miguel Cruz.
b) Ilustración/Arte digital.
c) Si bien el fondo podría ser una fotografía retocada, la utilización del cuadro amarillo, tipografía y textura; es decir el trabajo por capas, sugieren que la producción de la imagen fue por completo digital. Por otro lado, el texto utilizado nos da indicios del contexto en el que fue producida la imagen, incluso sin tener el año de producción, podríamos aventurar que se trata de una obra contemporánea ya que presenta una incógnita que se relaciona profundamente con nuestro contexto actual de virtualidad, y cuestionar el existir natural - en sí mismo - como algo inherente a las personas. De igual manera podríamos interpretar un guiño al confinamiento actual, dónde las relaciones “naturales” de la sociabilidad humana se ven completamente reemplazadas por su representación virtual.
d) Podríamos concebir como régimen escópico o marcas del estilo de la época, la plataforma por la que se presenta la obra (Instagram) da cuenta de la instantaneidad y el concepto de lo viral operando conjuntamente con las elecciones estéticas del artista. El límite de alcance de esta imagen que presenta una incógnita profunda contemporánea se circunscribe a un “espacio” virtual determinado, con lo que podríamos incluso suponer a qué porción de la sociedad el artista considera su público.

“Spin” de la ilustradora Cindy Suen
Diciembre de 2013.
El soporte es una lámina de plástico. Se utilizó la animación original, que es en formato digital, y se le dio formato físico mediante tecnología lenticular.
La impresión lenticular es una técnica que genera la ilusión de profundidad o de movimiento al visualizarla desde distintos ángulos, este efecto se produce al combinar una imagen entrelazada con una lámina de plástico. La imagen entrelazada es la creación de una imagen a partir de al menos dos diferentes cada una dispuesta en tiras que luego se entrelazan, esta se imprime sobre una de las caras de la lámina de plástico que es lisa, la otra cara tiene incorporada lentes alineadas con precisión respecto al entrelazado de la imagen de modo que la luz reflejada por cada tira de la misma se refracta en una dirección. Por este motivo es que en función del ángulo del que se mire se pueden ver fragmentos alineados de la imagen entrelazada, es decir, que al modificar el ángulo de observación cambia la imagen que vemos.

“Bitches Brew”, 1970.
Pintura de Mati Klarwein encargada por Miles Davis, el lienzo de la obra original se extravió a comienzos de los años setentas pero la imagen ha recorrido el mundo usada como portada/contraportada del álbum que lleva el mismo nombre.
Influenciado por la cultura pop y el surrealismo el autor es considerado un ícono del movimiento hippie y la contracultura de los años sesentas, especialmente de la psicodelia. La técnica utilizada consiste en mezclar témpera con la pintura al óleo, esto permite obtener un gran detalle en el trazo al evitar que los colores se mezclen.
La obra parecería unir (¿o acaso divide?) elementos aparentemente enfrentados como lo claro y lo oscuro, la tierra y el espacio, el hombre y la naturaleza. Podríamos decir que esta dualidad representa temas importantes de aquel momento histórico como la tensión racial o la muerte del “sueño hippie” pero en última instancia creo que la obra intenta representar el
espíritu abstracto de la música contenida en el álbum.

“View of Astronaut Footprint in Lunar Soil”, 1969.
Fotografía tomada por “Buzz” Aldrin con la cámara Hasselblad 70 mm, impresa en papel mediante el proceso de gelatina de plata.
La imagen fue captada en la superficie de la luna, debido a la falta de atmósfera en el satélite la huella se conserva hasta el día de hoy casi intacta.
La forma de la huella y la textura del suelo nos ubica en el contexto de la carrera espacial. La imagen es una alegoría del optimismo y el progreso que representó la llegada del hombre a la luna y a su vez un testimonio de la huella que deja la humanidad de su paso por el universo.

"Cisnes que se reflejan como elefantes" de Salvador Dalí, 1937.

La obra de Salvador Dalí está fuertemente influenciada por el psicoanálisis y, en un intento de pensar más allá de Freud, Dalí teorizó lo que luego denominaría como el método paranoico-crítico, una propuesta para poner la paranoia al servicio de la creatividad. Esta idea luego sería rescatada por el psicoanalista francés Jacques Lacan y tendría influencia en la propia teoría lacaniana de la paranoia evidente en su tesis doctoral “De las psicosis paranoicas y de su relación con la personalidad” (1932).
El método paranoico-crítico consiste en invocar un estado paranoico en el observador, el resultado es una deconstrucción del concepto psicológico de identidad, de modo que la subjetividad se convierte en el aspecto principal de la obra de arte. Estas imágenes ambiguas provocan múltiples interpretaciones en el observador, haciendo que éste libere obsesiones, fobias y todo lo que lleva guardado en el subconsciente. La realidad es en definitiva la realidad que cada uno ve (la que nuestro inconsciente nos lleva a ver) y Dalí estaba convencido de ello, según sus propias palabras “lo que vemos en las cosas no está en las cosas, sino en el fondo de nuestra alma”.

2012-2013
Heather Dewey-Hagborg
Artista Biohacker graduada de Artes Electrónicas en el Instituto Politécnico Rensselaer, Nueva York. Trabaja sus proyectos artísticos como crítica a prácticas tecno-científicas de vigilancia. En el año 2012 desarrolló el proyecto Stranger Visions extrayendo ADN de cabellos, chicles, colillas, etc. recolectados en las calles de Nueva York, y luego utilizando información genómica para transformarlo en retratos algorítmicamente creados, a través de parámetros establecidos en la investigación genómica, como: género, color de piel, ascendencia, peso y otros en etapa de desarrollo en ese momento, como ser la presencia de pecas. El proyecto controversial desde el comienzo, fue desarrollado en uno de los primeros laboratorios abiertos a la comunidad llamado GenSpace en Brooklyn, expone las falencias del reconocimiento forense de ADN ya que de una misma muestra es posible obtener numerosos retratos, y luego depende del criterio de quién realiza la investigación el elegir un rostro definitivo, de la misma manera que los parámetros utilizados están culturalmente sesgados, son limitados y reduccionistas. En 2014, una compañía llamada Parabon Nanobots, lanza al mercado un servicio llamado DNA Snapshot para la policía estadounidense, utilizando las bases del reconocimiento fenotípico de ADN, anteriormente empleado por la artista. La preocupación principal de la artista en esta cuestión se materializó tempranamente como una posibilidad de biocontrol, y aún más peligrosamente siendo el criterio de la policía quién finalmente decida como se ve la persona con ese ADN, recayendo fácilmente en la criminalización de un estereotipo basado en raza, o procedencia.
El aporte realizado por Dewey-Hagborg a la ciencia y a la sociedad en su conjunto tiene que ver con la necesidad de repensar los procedimientos científicos como productos de una especie de objetividad indiscutible.

Más en:

QUINETOSCOPIO (kinetoscopio, cinetoscopio)

Instrumento que crea la ilusión de movimiento transportando una tira de película perforada con imágenes secuenciales sobre una fuente de luz con una obturador de alta velocidad.
Fue un intento temprano de Edison y Dickson para crear un sistema de película sonora.

Era una caja de madera vertical con una serie de bobinas sobre las que corrían 14 m de película en un bucle continuo.
La película, en movimiento constante, pasaba ante una lámpara eléctrica y por debajo de un cristal ampliador colocado en la parte superior de la caja. Entre la lámpara y la película había un obturador de disco rotatorio, perforado con una estrecha ranura, que iluminaba cada fotograma tan brevemente que congelaba el movimiento de la película, proporcionando unas 40 imágenes por segundo.
Las películas utilizadas, de 3/4 de pulgada (19 mm), eran movidas mediante de un mecanismo de alimentación horizontal. Las imágenes eran circulares. El visor individual se ponía en marcha introduciéndole una moneda que activaba el motor eléctrico y ofrecía una visualización de unos 20 segundos.

Irene Agrivina, Entangled Beauty, A Perfect Marriage, 2019
Artista y educadora por derecho propio, Agrivina ganó el Premio de Plata en Media Art en el Festival IFVA en Hong Kong en 2017 por su proyecto que exploró la relación simbiótica entre Azolla , un helecho acuático acuático, y Anabaena Azolae, un ciano verde microscópico bacteria que ha sido inseparable durante unos 70 millones de años. Esta es la única especie que puede realizar fotosíntesis generadora de oxígeno y fijación de nitrógeno. En 2019, Agrivina extendió el proyecto al vincularlo con Dewi Sri, la mítica diosa de la fertilidad. Creó un sistema dipolar intermolecular utilizando síntesis de fotos y otras reacciones vitales para generar un sistema sostenible de purificación de agua, alimentos y fuente de energía. Artísticamente, esto se presentó en una instalación de medios mixtos llamada Entangled Beauty, A Perfect Marriage.

a) El parlamento de Londres – Claude Monet (1904)
b) Óleo sobre lienzo
c) El autor quiso resaltar las partes con más intensidad de luz o calor utilizando el color rojo y naranja. Mientras que en las zonas con menos calor utilizo el azul y violeta
d) Monet al ser un artista del impresionismo deja plasmado en la luz, pinceladas y cada color en particular, lo que se quiere “resaltar”

a) CAT60 – MWC 2016 (2016)
b) Fotografía de una fotografía infrarroja.
c) Para construir una imagen, una cámara infrarroja utiliza un termograma, que es, a grandes rasgos, un patrón de temperaturas. Los colores azul y violeta se utilizan para el frío. Del violeta, se pasa al rojo, naranja, amarillo y se llega hasta el blanco, siendo este el más caliente de todos.
d) Primer Smartphone en registrar y capturar imágenes infrarrojas.

Neri Oxman: MIT Media Lab - Mediated Matter
La arquitecta y diseñadora Neri Oxman es profesora de desarrollo profesional de Sony Corporation y profesora asociada de artes y ciencias de los medios en el MIT Media Lab, donde fundó (2010) y dirige el grupo de investigación Mediated Matter. Su equipo realiza investigaciones en la intersección del diseño
computacional, la fabricación digital, la ciencia de los materiales y la biología sintética, y aplica ese conocimiento al diseño en disciplinas, medios y escalas, desde la microescala hasta la escala de construcción. El objetivo de Oxman es
aumentar la relación entre entornos construidos, naturales y biológicos mediante el uso de principios de diseño inspirados y diseñados por la
naturaleza, y su implementación en la invención de nuevas tecnologías de diseño. Las áreas de aplicación incluyen diseño arquitectónico, diseño de
productos, diseño de moda, así como el diseño de nuevas tecnologías para la fabricación y construcción digital.
Neri Oxman recibió su doctorado en Computación de Diseño como Miembro
Presidencial en el MIT, donde acuñó el término Ecología Material para describir
su área de investigación. Antes del MIT obtuvo un diploma de la Architectural
Association (RIBA 2 con distinción) después de asistir a la Facultad de
Arquitectura y Urbanismo del Technion Israel Institute of Technology (Hons) y
al Departamento de Ciencias Médicas de la Universidad Hebrea de Jerusalén.

Links:
https://www.youtube.com/watch?v=CVa_IZVzUoc
https://neri.media.mit.edu/neri-oxman.html
https://mediatedmattergroup.com/maiden-flight

Célula glial, Santiago Ramón y Cajal 1887

Las imágenes observadas fueron logradas gracias al método de tinción de Golgi: una reacción química que coloreaba células cerebrales aleatorias. las láminas fueron pintadas a mano

Unos cuantos dibujos suyos tienen características que se asemejan al trabajo de otros artistas de la época. En algunos, parece que Vincent van Gogh ejerció influencia. En el dibujo de las células gliales en la corteza cerebral de un hombre con parálisis, los tres núcleos (o nucléolos) en la esquina superior izquierda se parecen a El grito, de Edvard Munch

Composición en líneas, segundo estado, Piet Mondrian 1916-1917

Pintura de óleo sobre tela,
Su objetivo fue ganar formas de armonía visual, reduciendo los medios pictóricos a sus elementos constructivos básicos

En 1638, Jean Francoise Niceron fue el primero que se dedicó a analizar estos fenómenos. Las imágenes anamórficas son series de dibujos deformados, por cálculos precisos basados en la perspectiva geométrica, a los que posteriormente se les establecía su aspecto figurativo por diversos procedimientos, como colocar un espejo en forma de cilindro o cono en su parte lateral o central

El término anamorfismo procede del griego, aná significa "de nuevo" y morfé "forma". La anamorfosis es la distorsión intencionada de la perspectiva de una imagen mediante la cual, y desde el punto de vista normal, dicha imagen resulta muy difícil de reconocer pero que, observada desde un ángulo concreto o con el instrumento óptico adecuado, recupera su verdadera perspectiva.

Santiago Ramón y Cajal - Mapas Cerebrales

Dibujos de tinta sobre papel con los cuales Ramon y Cajal sustentaba su teoria sobre redes neuronales.
La variante intensidad de negro da a entender un característico trazo de tinta, sumado a las terminaciones puntiagudas. La perforación que tiene el papel en la esquina inferior derecha me hace deducir que la imagen es parte de una portafolio.
En una época donde los detalles en imágenes crecen exponencialmente por el desarrollo de la fotografía y el cine, las ilustraciones en el campo de la ciencia
tratan de no estancarse. El corte transversal del cerebro que usa Ramón y Cajal causa que el dibujo sea minucioso con la representación de la red neuronal y su ramificación.

Vincent Van gogh - Almendro en Flor

Óleo sobre lienzo.
Los diferentes tonos de azul de fondo dan indicios del óleo. El nivel de detalles del árbol puede ser una evidencia de que la pintura es una representación de un almendro real.
La pintura tiene una figura central y un fondo, no hay secundarios. Sin embargo el enfoque de esta figura busca un nivel de detalle mayor. La mayor parte de la imagen es ocupada por ramas cada vez más pequeñas y el tronco apenas es visible. Algunas fuentes etiquetan a la obra como neoimpresionista, por la claridad de la ramificación del almendro, la técnica de trazado y la temática de la pintura.

1892 Fonoscopio (Georges Demeny)

Disco de metal con una secuencia fotográfica dentro de una caja de madera, lámpara y superficie blanca donde se hace la proyección.
Los diferentes cuadros dan a entender que cada cuadro fue seleccionado de un número mucho mayor de fotografías, es decir, se eligieron las que lograban optimizar la ilusión.
El disco gira dentro de la caja de madera, la cual tiene dos agujeros: uno por donde entra la luz de la lámpara y otro por donde sale la proyección. El disco cronofotográfico tiene otro disco pegado que funciona como obturador. Al girar el disco, la secuencia fotográfica simula a personas pronunciando palabras. La comercialización de este aparato fue simultánea a la del cinematógrafo y sus funcionamientos son similares, la diferencia es que el fonoscopio utiliza al disco de metal como cinta, presentando una ilusión menos duradera.

a- Nebulosa de la Hélice “El ojo de dios” (2009) / NASA
b- Fotografía digital (sacada por telescopio Spitzer - luz infrarroja)
c- El simple hecho de ser una imagen espacial de alta calidad denota el uso de una tecnología avanzada y compleja, como lo es en este caso la del telescopio Spitzer. Además, al comprender el funcionamiento de la luz entendemos que, para lograr captar tal detalle, la fotografía fue sacada con un largo tiempo de exposición
- Este tipo de fotografías espaciales capturadas por aparatos tecnológicos que casi no involucran la operación de un ser humano, son dotadas de una gran objetividad, al menos a nivel conceptual.

a- “Sin titulo” (2013) James Turrel, Museo Guggenheim
b- Fotografía digital de una instalación
c- Clara iluminación LED y la estructura en capas para la creación de la perspectiva deseada.
d- El desafío de la percepción. En obras como estas se pone en tensión al espectador y su percepción. El espectador se encuentra muchas veces intrigado y por lo tanto activo. Esta curiosidad proviene en parte de la incomodidad que le genera el no comprender ciertas características de la obra. Además, la inmensidad de la obra comparada con la pequeñez del espectador permite contrastar aquello infinito vs la finitud/pequeñez del individuo.

a- “Caza de zorros” (1839), John Drederick Herring
b- Pintura al oleo
c- La sensación de textura y la capacidad de generar diferentes capas denotan el uso de oleo, a diferencia de lo que seria por ej la acuarela.
d- El carácter de la pintura continua siendo realista. La intención no es artística, sino que en este momento la pintura también funcionaba como representación de la realidad, siendo fiel al referente. En esta la idea es retratar la caza de zorros y sus ‘elementos’, el jinete, el caballo, los perros. Por esa razón no hay huellas notorias del autor en la pintura. No se toma libertades artísticas y mantiene una representación dentro de todo fidedigna de la realidad, siendo fiel a los colores y a las luces/sombras.

Caballo en Movimiento” (1878) Muybridge
b- Fotografía analógica
c- Esta serie de 12 fotografías nos permite deducir varias cosas de su producción. En primer lugar, son parte de una técnica que hoy se conoce como cronofotografía. El hecho de que no posean color, sumado al hecho de la falta de nitidez y su aspecto granulado, nos permite deducir que fueron sacadas por cámaras analógicas.
d- En el siglo XIX todavía seguía vigente la importancia del realismo y del referente. En esta época la fotografía permitía descomponer el mundo de un modo que le fuera inaccesible al ojo humano.
Para lograr el realismo y la objetividad buscada, la huella del fotógrafo debía ser imperceptible. Por esta razón, y para lograr una mayor precisión, las cámaras se disparaban automáticamente cuando el caballo pasaba corriendo rompiendo el hilo que las activaba. De esta forma las fotografías gozan de un grado de subjetividad (casi) nulo.
Además, la importancia en este caso radica en el índice, es decir en el caballo. Este es el objeto de estudio y la intención es la representación fiel de su movimiento. Las fotografías en este caso eran vistas como fiel representación realidad. Muchos historiadores del arte expresan que gracias a ellas los caballos comenzaron a ser retratados de una nueva forma en la pintura.

Portals (2015) - Anthony James
https://www.youtube.com/watch?v=dZuZjoE6Se0
Todas las obras de Anthony James o al menos las que trabaja estos últimos años, tienen el mismo principio. Son “portales” generados por la ilusión óptica de múltiples reflejos en diversos planos dentro de una figura geométrica con luces en sus vértices. Lo que varía son las figuras, (cubos, pirámides, icosaedros, entre otros), los colores de la estructura y como están dispuestos.
No hay, o al menos no encontré, mucha información de sus obras, no hay años, ni títulos, muchos menos detalles de la fabricación de estos o reflexiones del autor al respecto.
Yo creo que la fabricación a grandes rasgos se basa en una estructura de metal formada con los vértices de la figura, que tienen instaladas luces led por dentro. Lego se cierra la figura con las caras de la misma, usando un tipo de espejos que de un lado permiten ver que hay detrás del otro, pero del otro lado dejan ver el reflejo de ese mismo lado. Estos espejos se pondrían con el lado que refleja hacia adentro de la figura, permitiendo ver dentro de esta el reflejo que se hacen los espejos de las diversas caras entre sí.
El efecto óptico se genera a partir del feedback que se genera entre espejos, reflejándose entre sí, “reflejando el reflejo del reflejo” (del reflejo del reflejo del reflejo…), dando sensación de profundidad. A veces convivimos con este fenómeno cotidianamente, en algunos ascensores o baños que tienen espejos enfrentados, por ejemplo. En este caso lo que me resulta súper atractivo de esta obra, es que estamos viendo el mismo fenómeno que en el ascensor o el baño, pero desde afuera, gracias al vidrio unidireccional, viendo el portal infinito sin poder acceder a él, no puediendo entrar en su reflejo.

a- “Island Weather” (2019), Mark Justiniani
b- Esta instalación está compuesta por un cristal espejado de un solo lado, un espejo tradicional, luces LED y estructuras de diversos materiales.
c- El carácter ficcional del efecto de profundidad es revelado por la repetición idéntica y simétrica de los diferentes ‘cuartos’ y elementos de la obra.
d- La ilusión generada en estos aparatos, también conocidos como ‘espejos infinitos’, se debe gracias a la refracción de la luz y a lo que se conoce como ‘imagen virtual’. Estos juguetes ópticos construyen una sensación de ‘tunel’ infinito. Están conformados por un cristal espejado de una sola cara, que no solo nos permite reflejar lo que hay adentro, sino que además nos posibilita ver a través de este cristal-espejo. Pero para que se genere la ilusión es necesario además un espejo tradicional y luces a los costados que permiten iluminar con mayor fuerza el interior, ya que para que podamos ver a través del cristal espejado es necesaria esta condición.

ANA LAURA CANTERA
Ana Laura Cantera es una artista graduada de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Se dedica a la investigación y docencia, además de la realización de obras que parten de principios de la bioelectrónica.
La bioelectrónica es un campo de investigación que estudia y trabaja con la convergencia entre la biología y la electrónica. La mayoría de sus obras articulan estos componentes para construir piezas de arte complejas, que no únicamente poseen un fin artístico, sino que también trabajan sobre la concientización del espectador, acercando y sugiriendo un estilo de vida mas sustentable para el y su entorno. En muchas de ellas se puede encontrar el elemento generativo, a partir del cual se involucra al espectador buscando generar un aprecio estético y reflexivo; trabajando varios conceptos de la naturaleza como una interfaz interactiva, mediante la combinación de
electrónica y microorganismos. Por ejemplo, en sus obras “Génesis: dinámicas de organismos artificiales” (2016) y “Cartografías Invisibles” (2018). En la primera Ana Laura Cantera construye mediante dispositivos experimentales programables, organismos robóticos desarrollados en
contextos artificiales que emulan ambientes naturales, utilizando movimiento, agua y luz. Mientras que en la segunda, a partir de la construcción de un robot
“semi-vivo”, obtiene datos de información terrenal y cartográfica. Este robot es una conjunción entre elementos mecánicos (piezas fabricadas mediante impresiones 3D, por ejemplo), elementos electrónicos (componentes como sensores y cables), y un elemento vivo, un hongo.

GLACIATOR
por Joaquin Fargas

Joaquín Fargas es un artista e ingeniero industrial argentino. Todos sus trabajos relacionan ciencia y tecnología junto con arte. Elegí su instalacion “Glaciator”, su última obra publicada, es un robot autónomo dispuesto en la Antártida.
Es una máquina alimentada por energía solar que absorbe por medio de los paneles que tiene en su parte superior, utiliza esta energía para operar y trasladarse a su voluntad en el área que se le indique. A medida que se desplaza en el terreno, va tomando registro visual de este y acelerando significativamente la velocidad de cristalización de la nieve que hay en el suelo, convirtiendo a esta en hielo.
Me pareció interesante esta obra en específico, porque además de ser la más moderna, se vincula con el contexto actual de pandemia por el COVID-19. Este vínculo se explica porque, tanto el artista como diversos estudios científicos, afirman que puede haber antiguos virus que debido a la temperatura se encuentran inactivos en las masas de hielo; y que el derretimiento de estas masas causado por el calentamiento global podría eventualmente activarlos, siendo este un riesgo sanitario para la humanidad.
En palabras de Joaquín, el objetivo de esta obra es producir un impacto en el pensamiento del espectador respecto a las temáticas ambientales, impulsar e incentivar a la gente a que hay que hacer algo al respecto.

Contribución artística a la ciencia:
John Maeda licenciado en Informática por el Instituto Tecnológico de Massachusetts, contribuye desde el Arte hacia la ciencia y la educación, añadiendo esta misma (Arte) al movimiento conocido como STEM (De las siglas en ingles Ciencia, Tecnología, Ingeniería y Matemática). En 2011, Maeda sugiere e incentiva agregarle a este movimiento que, entre otras cosas, busca formar a los jóvenes esas materías, Arte. Ya que, para él, es igual de importante y necesario el Arte para poder resolver diferentes problemas que uno puede presentar.
Así es como STEM pasó a ser STEAM, donde ya sse incluye el Arte como una de las áreas.

Referencias:
Bibliografía de John Maeda - https://es.wikipedia.org/wiki/John_Maeda

Noticia informativa sobre el hecho - https://www.nacion.com/opinion/foros/el-aporte-del-arte/TL4ZUOTYFVDE7LIHELDUTJJB2Q/story/

1597

Ilustración del método Calabriense de rinoplastía.

Grabado (asumo xilografía pero puede ser en metal)

No tiene firma de autor, es una imágen bien explicativa, mostrando de manera clara lo importante para un médico que tenga que basarse en ella para realizar la operación.

Por la imágen más clara que artística y las letras de referencia en el modelo parece una imágen de referencia de un manual de medicina.

Rhinoceros/us/vs, Albrecht Dürer.

Xilografía.

Si bien Durero nunca vió al rinoceronte retratado, se basó en una descripción escrita y bocetos de uno de los presentes a la hora del traslado del espécimen previa su desaparición en el mar. Una interpretación de esta descripción está presente en la parte superior de la obra, y por basarse en ella, sumandole su imaginación para completarlo tiene un carácter fantástico.

Como todos los grabados de Durero tiene un alto nivel de detalle y consigue su volumen y contraste por virtud de un laborioso trabajo de líneas. En cuanto a la visualidad de la época esta imágen era prácticamente canon, ya que se tomó como la verdadera representación de un rinoceronte en europa hasta el siglo 18, fue víctima de numerosas copias y muy actual, estando de moda en su momento.

a) ”Un baño en Asniere”, Georges Pierre Seurat, 1884
b) Para esta pintura se usó la técnica artística Puntillismo.
c) Se puede apreciar los pequeños puntos que hacen a la imagen.
d) Se puede apreciar un ambiente y personas que podríamos colocarlos en aquellos años donde fue pintada (1884).

2015

"Implant", Eric Dyer.

Fieltro, Alambre, velcro, fibro facil, motores.

Comenzó como una versión a escala de otro proyecto del artista pero evolucionó en su propia obra.

Se le da al espectador una luz estroboscópica y la estructura está en continuo movimiento, entonces al ser iluminada por esta linterna parpadeante se aprecia el movimiento de la superficie de la obra.

Ilusión optica mediante un Zoótropo

La anunciación

cuadro al óleo sobre madera

Pintada entre los años 1472 y 1475, representa los primeros pasos de Leonardo en la pintura, a pesar de que no todo concuerda con el veredicto.

Al analizar el cuadro se percibió que la base y la Virgen habrían sido ejecutados por Verrocchio.

Leonardo habría pintado el ángel, la alfombra de flores y el paisaje de fondo (el mar y las montañas). Esto queda claro en la precisión científica con que fueron pintadas las alas, así como en el descubrimiento de un dibujo preparatorio para las mangas del ángel atribuido a Leonardo.

El hombre de Vitruvio

Tinta marrón y aguada con carboncillo, plumila. Sobre papel.

Además de representar gráficamente las proporciones del cuerpo humano, Leonardo hizo anotaciones en escritura especular (que pueden ser leídas en el reflejo de un espejo). En dichas anotaciones, registra los criterios necesarios para representar la figura humana.

El artista-científico presenta su estudio del “canon de las proporciones humanas”, el otro nombre con el que se conoce esta obra.

Mob Psycho 100 II (2019)
. Animación 2D digital.
- la técnica utilizada se llama Kinegrama. En esta obra se busca presentar este efecto de forma digital mediante la animación 2D.

el kinegrama se compone de dos elementos: uno con los dibujos, fotogramas o patrón de gráficos llamados a adquirir movimiento. El segundo es una pantalla transparente de plástico con franjas a rayas que hacen la función de lentes. al superponer dicha lente sobre la base con dibujos, es como se logra el efecto buscado, ya sea tridimensión, cercana al 3D lenticular, en la imagen o bien un efecto de movimiento en la misma.

1810

Johann Wolfgang von Goethe – la teoría del color
Goethe (1749 – 1832) fue un poeta, novelista, dramaturgo y científico alemán. Él es el creador de la teoría de los colores, con su obra, sentó las bases de la psicología del color que conocemos en la actualidad, destacando la percepción humana como el espectador olvidado por las teorías newtonianas. El estudio del color ha despertado, a lo largo de la historia, la atención de no pocos estudiosos. Y es que se trata de un factor de la naturaleza fascinante como enigmático que aún no termina de descifrarse por completo a la ciencia, sobre todo en os procesos de percepción del color. Las áreas de estudio han abordado este tema no son pocos, así como los atribuidos, científicos y no científicos, que se han asociado a los colores.
El círculo del color. En la actualidad existen distintos círculos de color, en su momento, Goethe realizo un círculo de color atribuyendo cierto “orden natural”. En su círculo colocó de forma opuesta el azul, rojo y amarillo, la combinación de estos, a su vez, forman otros colores, que nosotros conocemos como segundarios y terciarios.
El toque de Goethe fue que realizó un “diagrama de la mente humana”, así atribuyó a cada color ciertos aspectos que en todo caso explicarían el complejo comportamiento de las personas.

2015

LA ILUSTRACIÓN CIENTIFICA

La ciencia se vale de la observación para el estudio biológico y botánico ya que no solo deben ser estudiados animales y plantas en laboratorios sino que también deben hacerlo en sus contextos naturales y en relación a su entorno. Estos artistas son a la vez biólogos y botánicos que son capaces de observar un sujeto / objeto macroscópicamente o incluso bajo el microscopio pero recurren a técnicas artísticas para la socialización de conocimiento, bien podrían valerse de la fotografía pero sin embargo recurren a la ilustración. Un ejemplo de ello es Aldi de Oyarzabal quien dice: “lo primero en un dibujo de este tipo es que tenga vitalidad y movimiento y si no lo conseguimos es un fracaso el dibujo”.

Tapiz francés de 1500. Tejidos con lana y seda a partir de diseños (cartones) dibujados en París.
Se producen como parte de una serie llamada La dama y el unicornio mostrando poderes medicinales en el cuerno del animal.
En todos los tapices se puede encontrar un rojo especial producto de unas tinturas muy típicas de la época.

ALeonardo Da Vinci, Estudios de anatomía (1510).
Realizado en Plumilla, tinta marrón y aguada con carboncillo sobre papel.
Se produce como parte de una serie de ilustraciones anatómicas con fines medicinales que se encuentran en el Castillo de Windsor.
Típica escritura de derecha izquierda, codifocado. Estilo clásico de Da Vinci hiper realista y detallado producto de la observación de cuerpos reales diseccionados.

2008
3D face optical illusion: Rolling eyes on hollow mask (Título original de su antigua versión “La máscara hueca”) (2008) Thomas V. Papathomas
Formato físico sobre base giratoria sin uso de computadoras.
Fuera de la particularidad de la versión de este video de YouTube, la producción de esta ilusión es muy variada. Se ha realizado en madera o yeso sobre una base giratoria. Filmado y proyectado y también animado en computadora ó modelado en 3D de las versiones físicas sobre base giratoria. Su producción es muy antigua hasta la actualidad en decenas de versiones.
producción
La máscara rota siempre en un sentido. Una vez que el frente fue expuesto comenzará a verse la parte interior, es decir la parte hueca dando la ilusión que gira en sentido contrario ya que al ocultarse la cara en relieve haca la izquierda al mismo tiempo se revela la cara hueca de derecha a izquierda dando esa ilusión de giro contrario. Pero además la cara hueca no se percibe como tal sino que da la ilusión de tener relieve y no distinguimos cuál de las dos caras es la hueca. Afirman que los esquizofrénicos no perciben la ilusión.

Peter Paul Rubens Massacre of the innocents

"Vías del lenguaje en el cerebro" ( Stephanie J Forkel , Ahmad Beyh y Alfonso de Lara Rubio) -2017
Técnica de imagen: Tractografía( Tipo de Resonancia magnética, llamada imagen de difusión). Captura escaneada por resonancia magnética; los datos del escaneo se usaron para crear un modelo 3D hecho de resina transparente, utilizando tecnología de impresión 3D. El modelo 3D se iluminó con luces de diferentes colores para crear esta imagen.
Este modelo 3D muestra la materia blanca que une dos diferentes secciones del cerebro, las cuales controlan el lenguaje y el habla. Este enlace se conoce como "fascículo arqueado".
Stephanie y Ahmad trabajan juntos como investigadores científicos en Natbrainlab en el King's College de Londres. Stephanie estudia cómo se recuperan los procesos del lenguaje después del daño cerebral, y Ahmad se enfoca en las redes cerebrales del sistema visual humano. Para este proyecto, colaboraron con Alfonso, un especialista en resonancia magnética que también trabaja en el King's College de Londres. Alfonso proporciona soporte de ingeniería técnica para proyectos de investigación que usan resonancia magnética, incluida la tractografía de difusión, como se usa para esta imagen.

La Instalación visual "Purple Haze" 2018( neblina púrpura) del artista e investigador ecuatoriano Paul Rosero Contreras que trabaja en la intersección del arte experimental y la biología, y temas relacionados con la geopolítica, los problemas ambientales y la relación entre humanos y entornos extremos en .Re_Act Contemporary ; Es un espacio de laboratorio y residencia en las Islas Azores encargado por DRAC Azores. El espacio de residencia principal se basa en la Isla Terceira con una presentación final en el Museo MAH. La residencia explora nociones de ecología, mito y tecnología en esta ubicación única en el norte del océano Atlántico medio. Tomando la forma de un laboratorio acompañado de procesos artísticos y experimentación curatorial, los artistas y curadores serán invitados a comenzar o desarrollar ideas que presenten luego los resultados de este proceso en un contexto institucional. Viendo "Purple Haze" unx podría viajar a un futuro distópico . Unx en el que el océano se vuelve ácido debido a la contaminación por Co2 y algunas especies sésiles, como los corales, no pueden sobrevivir. Sin embargo, el video se enfoca en la resiliencia microbiológica. Todas las especies marinas observadas en las proximidades de fumarolas en el volcán activo Roca Redonda (Archipiélago de Galápagos) presentan un mecanismo de supervivencia que les permite habitar este ambiente desagradable. En este sentido, Purple Haze se relaciona con los futuros desarrollos y la relación entre micro y macrocosmos mediante una investigación sobre simbiosis y cooperación interespecífica. Sus proyectos incluyen dosis de realismo especulativo, datos científicos y narraciones ficticias .
Instalación "Purple Haze" http://paulrosero.com/index.php/portfolio/purple-haze/
Más información sobre Re_act Contemporay https://www.reactcontemporary.com/about

''La masacre de los inocentes'' es el sujeto de dos pinturas de Rubens que tratan sobre el episodio bíblico titulado de la misma manera de Bethlehem.

La pintura no solo representa el episodio bíblico, sino que Rubens lo utiliza de metáfora para retratar su experiencia en la revuelta holandesa contra el rey Felipe II de España, donde las fuerzas del catolicismo más las fuerzas españolas buscaban repeler a los protestantes.

La técnica de pintado es una gran representación del desarrollo en la pintura que se estaba dando a principios del siglo XVII.
Tomando influencias barrocas y particularmente a Caravaggio, utilizando recursos como el claroscuro y écorché.
El medio de representación es pintura al aceite sobre tabla de contrachapado.

Kinora (1896) Hermanos Lumiere.
Aparato de sobremesa . Estuche de caoba pulida,28cm x 18cm x 14. Abertura de visualización con lente, asaenroollable con asa ebonizada, ajustador de luz con espejos plegable niquelado. Una puerta con bisagras para revelar el mecanismo de relojería.
Dispositivo primitivo de visión individual de imagen en movimiento.Se consolidó como máquina de entretimiento hogareño (permaneciendo en uso durante dos décadas). Produjo algunas de la primeras películas de la historia; Los rollos de película impresos se podían comprar o alquilar, y los "retratos en movimiento" personales se podian tomar en un estudio fotográfico.
Mecanismo: La Kinora funcionaba de forma similar a un Folioscopio (libro que contiene una serie de imágenes que pasando rápidamente, las imágenes parezcan simular un movimiento) con el aspecto y el mecanismo de un Rolodex . El Kinora funcionaba gracias al giro de una manivela que accionaba el movimiento de una rueda mediante un mecanismo de relojería con una secuencia de pequeñas impresiones fotográficas monocromas convencionales fijadas a tarjetas fuertes y flexibles sujetas a un núcleo circular. Cada vez que una manivela giraba el rollo, cada foto iba a apoyarse contra un pequeño dispositivo que la inmovilizaba un instante para su visualización. La imagen de cada tarjeta correspondía a un fotograma de una película cinematográfica.

1921.
Pablo Picasso "Los Tres músicos".
Pintura óleo sobre lienzo,200.7 x 222.9 cm.
En los Tres Músicos, Picasso compone la escena situando a tres figuras sentadas y dispuestas una junto a la otra. Para conformar las figuras, primero las descompone en formas simples coloreadas, que situadas una junto a la otra nos permiten fácilmente reconocer la figura. En esta obra vemos a los músicos de perfil y de frente a la vez, gracias a la superposición de planos. Picasso utiliza sus conocimientos del collage, ya que los dibujos coloreados de los vestidos de las figuras, forman superficies que parecen hechas con papel pegado y se suceden la una a la otra, dando al cuadro una alegre vivacidad, incluso una especie de movimiento interno. La figura que se encuentra en el centro es un arlequín que toca la guitarra,flanqueando por un pierrot que llevo un saxo y tiene un perro bajo sus pies, y un monje que tiene una partitura. .La última figura que pasa desapercibida es la de un perro, sentado entre las piernas del músico del centro y que ayuda a reforzar la sensación bohemia y triste de la representación que generan los bordes planos oscuros del cuadro.
Este cuadro pintado por Picasso, es una de sus obras más célebres de lo que se ha llamado cubismo sintético (culminación de experimentos cubistas, basados en la composición de escenas basadas en superposiciones de planos de color que generan figuras más o menos reconocibles, multiplicar los ángulos de visión de un mismo objeto descubriendo las figuras ). Las transformaciones que se produjeron durante la primera mitad del siglo XX originaron una aceleración del tiempo histórico. La cultura se vio condicionada por los avances científicos y tecnológicos y por las trágicas experiencias de una época de crisis. El cubismo, que tuvo su inicio en los primeros años del siglo XX, fue un movimiento fundamental en la evolución de la pintura contemporánea. Durante ese periodo hay un cambio cultural muy importante: la ciencia experimenta un gran avance, se implantan los movimientos artísticos denominados <>. El cubismo es uno de esos movimientos artísticos que busca renovar, experimentar y/o distorsionar un sistema de representación artística. Implica innovación, ruptura de preconceptos. Surgieron como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado y búsqueda de progreso), y a la vez son una crítica al mismo proyecto modernista. La vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora. Se puede considerar estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites. Así del mismo modo que el cubismo distorsiona las imágenes, la nueva música del siglo XX introduce disonancias en la armonía clásica.

Fortunio Liceti
De monstrorum causis, natura et differentiis

2015

Comprensión transmodal de la expresión musical

La música está mucho más emparentada con la ciencia de lo que parece. Términos musicales como altura, timbre e intensidad pueden explicarse gracias a los conceptos de la física. Y las proporciones que marcan los intervalos entre
las notas tienen su fundamento en la matemática. Además, los modelos matemáticos pueden aplicarse para indagar cómo evolucionan los estilos musicales, entre otros aspectos.
La matemática puede dilucidar aspectos desconocidos de la música. Por ejemplo, su relación con el sentido del gusto, que ya fue advertida hace algunos siglos. En 1558, el compositor italiano Gioseffo Zarlino describía ciertas consonancias como “dulces” o “suaves”. Asimismo, en el siglo XIX, el francés Hector Berlioz habló de la “pequeña voz ácida” del oboe.
El matemático Bruno Mesz, investigador del Laboratorio de Acústica y Percepción Sonora, de la Universidad Nacional de Quilmes, junto con los físicos Mariano Sigman, investigador en la Universidad Torcuato Di Tella, y Marcos Trevisan, de Exactas-UBA, realizaron una serie de experimentos. Investigarono la relación entre la percepción de la música y los sabores.
Convocaron a nueve músicos y les solicitaron que produjeran una secuencia de acordes a partir de la asociación libre con los cuatro nombres básicos de los sabores: amargo, salado, dulce y ácido. Se realizaron 24 improvisaciones en un teclado MIDI, que permite registrar cada movimiento. Luego se analizó si había coincidencias significativas entre las melodías y las palabras.
En total se consideraron nueve dimensiones: consonancia, articulación, intensidad, velocidad, frecuencia, entre otras, y todas eran registradas por el teclado MIDI. El sabor salado se asoció con los sonidos que aparecían más fragmentados, con una melodía discontinua. El ácido, con melodías rápidas y sonidos muy agudos. El amargo: lento, grave y ligeramente disonante. El dulce: armonías consonantes, lentas y suaves.

a) TURNER. Lluvia, vapor y velocidad- 1844
b) Óleo sobre lienzo
c) El paisaje apenas definido, el tren viajando en dirección al espectador, la velocidad, el vapor de la locomotora, y la lluvia que golpea el paisaje forman la atmósfera que el artista capta perfectamente.
d) En época de revolución industrial, Turner retrata el ferrocarril más moderno que existía, el GWR. En un momento de avance tecnológico el artista se muestra conciliador con dichos avances. Turner utiliza este medio para estudiar el movimiento y la desmaterialización en la obra

a) GWR (great western railroad)- 1892 (la empresa se fundó en 1835)
b) Fotografía
c) La fotografía en blanco y negro denota su antigüedad
d) En el marco de la revolución industrial y para la historia de la humanidad la invención de la locomotora fue un gran punto de quiebre, permitiendo por el traslado masivo a grandes velocidades, tanto de pasajeros como de mercadería, y conectando ciudades y países.

https://www.researchgate.net/figure/The-cafe-wall-illusion-Are-the-lines-parallel_fig1_52012697

a. Cafe Wall illusion
b. Imagen digital
c. esta imagen pareciera estar hecha digitalmente, aunque si se la replicara en otro soporte el efecto se mantendría. De hecho en hay un edificio en Australia que lo hace. ( https://cecglob.com/ilusiones-opticas-en-lugares-publicos/ )
d. Las líneas son paralelas aunque no parezca. lo que genera el efecto es la disposición de los cuadrados y el contraste entre blanco y negro, todo eso dificulta que se vean bien las líneas que separan las filas por lo que los cuadrados se perciben más grandes hacia los extremos.

Tomas Saraceno. Quien basa algunas de sus obras los encuentros del arte con lo que se podría denominar como ciencias naturales, o biología.
Una obra muy famosa (link abajo) co-creada con 7000 arañas, es la que mas me llamo la atención. Para esta el artista depositó a las arañas en un espacio, dejando que estas explayen sus telarañas, formando así la obra. Dejando al expectador la posibilidad de ver este fenómeno de cerca.
Lamobra se basa en entender el comportamiento de las arañas. Saraceno tambien es arquitecto, esto tambien explica mucho, el artista entendiendo como las arañas construyen sus “casas” y ver como se adaptan a diferentes medios

“ Tomás Saraceno: We are trying to learn about spiders’ behavior and net making and we would like to learn more about the origin of the uni-verse…But maybe you could start by explaining the project first and also this analogy between the cosmic filaments and a spider web.”

Referencia:
https://studiotomassaraceno.org/hybrid-webs/
https://studiotomassaraceno.org/webs-of-at-tentsion/

Al investigar a una artista llamada Magdalena Molinari para un trabajo practico
de imagen de Laboratorio 2, me tope con Sporobole, el cual es un centro
artistico dirigido por artistas que actúa como catalizador de la investigación y
creación artística a través de encuentros entre prácticas artísticas y campos de
conocimiento en la era digital, ubicado en Quebec, Canadá.
Mediante un enfoque flexible, inclusivo y colaborativo, el centro apoya
proyectos innovadores y toma de riesgos en cada paso del proceso artístico,
desde el desarrollo de conceptos hasta la investigación, la producción y la
difusión. Este contexto integrado da lugar a encuentros entre diferentes
comunidades al romper las barreras entre las formas de conocimiento. De esta
manera, Sporobole reafirma el papel de los artistas y su trabajo en la sociedad
contemporánea.
Fuentes:
https://www.sporobole.org/

Radiografía de angelote y pez cirujano (1896).
-Pantalla tintada con cianuro de platino y bario.
-Primeras radiografías hechas por Edward Valenta y Josef Maria Eder
- El impacto de la radiografía fue revolucionario, no sólo médicamente sino también estéticamente.

imagen: libro flipbook del ilustrador Moeibus, 1996
a) Flipbook o folioscopio. Patentado en en 1862 por Linnet, y re-patentado en 1898 por William Short. Es una versión compacta y simplificada del motuscopio.
b) El dispositivo es sencillo. Consiste en una serie de ilustraciones, de contenido gráfico explícito, que al pasar rápidamente de diapositiva, dan la sensación de un movimiento fluido de imágenes. Varios dispositivos se desarrollaron para hacer uso de este efecto, como el phenakistiscopio (1832) y el zootropo (1866). El “flipbook” como formato industrial moderno, es un libro. Con una mano sostiene el libro, y con la otra, con el pulgar, pasa las páginas rápidamente.
c) Se estandarizó el formato de libro rectangular “achatado”, de forma rectangular, con mayor longitud en la base (horizontal) que en la longitud vertical por varios motivos. Primero, para que sea fácil para manipular por una sola persona, debe tener un tamaño razonable para que una persona pueda sostenerlo con una mano, y con la otra pasar las páginas con comodidad, ya que si fuese más grande, o de otras proporciones, el efecto no sería el esperado. Por otro lado, al tener este formato singular, generalmente el contenido “animado” -el elemento predominante-, la narración se suele ubicar en el lado opuesto al lomo del libro. El efecto tiene que ser tan rápido que se hace inapreciable el contenido gráfico a medida que se acerca al lomo del libro. Otro aspecto de la producción sería que debe ser de materiales lo suficientemente flexibles para ser plegado. Si tuviese tapa dura, o hojas muy gruesas, se hace difícil de manipular.
d) El espectador disfruta del relato visual construido en forma de diapositivas. Al pasar las páginas, nuestra persistencia retiniana nos permite construir la sucesión de imágenes estáticas en una animación, con la sensación de fluidez y movimiento. Retenemos las imágenes que vemos por un fragmento de segundo, “complementado” con la imágen que le precede, y así sucesivamente.Funciona similar a todos los dispositivos pre-cine.

“Still Life: Fish” de William Merritt Chase (1906)
- paleta oscura
-influencia del artista francés Antoine Vollon, y de los bodegones españoles del siglo XVII.
-La frialdad y crudeza que reproduce el lienzo.

Programa de Residencias de arte-ciencia SM2

-Este programa, el cual tiene la intencion de fomentar colaboraciones entre artistas y científicos, comenzo en la ciudad de buenos aires, argentina.Este mismo esta auspiciado por el Centro de investigación en Arte-Ciencia de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM) y por El Cultural San Martín (CSM), el resultado de dicho programa sera presentado en el UNSAM y en el CSM durante todo un año. Para calificar en el mismo, se debe presentar una propuesta entre un cientifico y un artista, con un presupuesto estimado y con el fin al que se quiere llegar con dicho experimento.La CSM destinara un monto estimado al proyecto para los participantes, ademas de un contrato artistico con ellos, a su vez tambien la CSM , brinadara el espacio y la herramientas para que la investigacion o el ensayo pueda producirse.

A)Fotografía de la superficie de la luna (Diciembre, 1972)
B)Scan de baja resolución de una fotografia analogica 35mm
C)Esta fotografía fue tomada en la llegada del apollo 17 a la luna y pertenece a un lugar próximo al sitio donde éste aterrizaría.
D)Es parte de la inmensa cantidad de documentación fotográfica en la expedición a la luna del apollo 17, una de las expediciones que fueron satisfactorias.

A)Tapa del Álbum “The dark side of the moon” de Pink Floyd (Hipgnosis,1973)
B)Pintado con óleos sobre un lienzo de 14x14 pulgadas
C)Busca representar misterio y generar intriga en el espectador
D)Uno de las pocas tapas de álbum en la historia de la música que no posee el nombre de este ni el nombre de la banda que lo compuso añadiendo así al aura de misterio que genera esta obra.

https://www.youtube.com/watch?v=806hNdnQzE8

a)Titulo Crackling Fire, Holographic Animation For Use With HoloQuad Pyramid Hologram MMD. Año 2016.

b)El material que le da soporte al proyecto es una pantalla en la que se reproduzca el video y una pirámide “holoquad”.

c) la pirámide consiste básicamente en 4 vidrios o algún material similar pegados entre sí en forma de pirámide sin punta.

CERN, la Organización Europea para la Investigación Nuclear; ALMA, Atacama Large Millimeter Array; ESO, el European Southern Observatory; y la Corporación Chilena de Video, CChV, con el apoyo del Swiss Arts Council Pro Helvetia y el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile, lanzan el programa de residencias artísticas: "Simetría".
Su finalidad es potenciar el intercambio interdisciplinario entre artistas y científicos que trabajan o residen en Chile y Suiza, se lanzó el Miércoles 24 de octubre de 2018 el programa combina la estadía de 2 artistas en 3 de los centros de investigación científica más fascinantes del mundo: el Gran Colisionador de Hadrones, CERN, en Ginebra, Suiza, y los observatorios astronómicos en Chile: ALMA y el VLT de Cerro Paranal.
Simetría invitará a un artista de Chile y a un artista de Suiza, a una residencia conjunta en cada país. La experiencia busca conectar a los artistas con la comunidad de físicos e ingenieros para que penetren e indaguen en los desafíos de la ciencia contemporánea, a través de las avanzadas tecnologías que exploran y observan la naturaleza.

Zootropo (1834)
Consiste en un tambor hueco con algunos cortes verticales o ranuras, en su interior se coloca una tira de papel cuya longitud es igual al perímetro de la circunferencia interna del tambor. Al girarlo y observar su interior a través de éstas ranuras, se ve como las diversas figuras adquieren movimiento. La ilusión óptica se debe a una cualidad del ojo humano conocida como persistencia retiniana.

- Imagen detallada del coronavirus, 2020
- Imagen microscópica
- Esta imagen es una muestra del covid-19 extraída de un paciente infectado en EEUU. Las partículas del virus (en verde) se ven emergiendo de la superficie de un grupo de células cultivadas en un laboratorio.
- Es una imagen científica de hoy en día.

- “Under Control”, Brian Stauffer, 9 de Marzo del 2020.
Ilustración digital
- La forma en la que está ilustrada, da cuenta de que es digital.
- Es una imagen actual que refiere a la posición de Donald Trump, presidente de EEUU, frente a la pandemia del coronavirus.

a) Testa reversibile con cesto di frutta, 1590 aproximadamente
b) Pintura al oleo
c) Pintada por el artista milanés del siglo XVI, Manneriset Giuseppe Arcimboldo, inspirador de los pintores surrealistas del siglo XX
d) El artista pinta un bodegón de frutas, que al girarlo 180º se convierte en un retrato.

Estudio del embrión humano hecho entre 1510-1513 hecho por Leonardo da Vinci, extraído de “Tratado de Pintura” publicado en 1680 en colaboración con Marcantonio della Torre.
Pluma sobre papel.
Una de las primera ilustraciones de un feto dentro del útero.
Perteneciente a los más de doscientos dibujos realizados por da Vinci para este compilado de investigaciones sobre la anatomía humana.

“La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana” de Leonardo da Vinci, 1503.
Óleo sobre madera de álamo.
Uso del sfumato, técnica de pintura consistente en el uso de varias capas de pintura que proporcionan a la composición unos contornos imprecisos.
Representación de temas religiosos recurrentes en el estilo renacentista de la época.

"Tutilimundi" en la Plaza Mayor de Madrid, grabado de Francisco Ortego publicado en El Museo Universal, el 28 de julio de 1861.

Tutilimundi, su mención data de 1539 como pequeños teatros mecánicos conocidos con el nombre de retablos. Más tarde se diferenciaron los manuales de los mecánicos, quedando estos últimos con el nombre de tutilimondi, mondinovi, mundinuevo, entre otros.
Cajón de madera portable que se llevaba a las diferentes ferias y en el que las personas miraban el espectáculo “dentro”
Artefacto de exhibición de vistas tales como grabados, acuarelas, etc. en "cajones ópticos de gran tamaño", que evolucionó hasta un juguete con muñecos movidos por mecanismos de relojería.
Aparato mecánico, pariente de cajas catóptricas y linternas mágicas (estas últimas junto a los tutilimundi pueden considerarse precedentes de la primitiva cinematografía), se trata de un espectáculo popular callejero que reunía figuras, en movimiento por medio de un efecto óptico, presentadas dentro de una especie de cosmorama (representación de paisajes, monumentos, edificios, poblaciones, escenas de la naturaleza, etc. en cuadros vistos por un vidrio óptico que, cuando el cuadro está bien dispuesto, las pinturas son realmente buenas, la perspectiva es rigurosa y la iluminación es correcta, produce un efecto que da la ilusión de que la pintura en realidad es una imágen real) expuesto en un cajón portátil, que se llevaba de feria en feria.

The wandering mind - Xin Liu and Gershon Dublon

"The wandering mind” es el proyecto ganador de la primera
residencia del Laboratorio Europeo de Inteligencia ARTificial, de la
que forma parte Fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento. Se
trata de una instalación inmersiva del dúo, Xin Liu and Gershon
Dublon, con la que sentir la totalidad de nuestro planeta gracias a un
Dublon, con la que sentir la totalidad de nuestro planeta gracias a un
sistema de IA. Para especificar, es un proyecto multisensorial basado
en un sistema de inteligencia artificial que actúa como un sistema
nervioso periferico. La idea del proyecto es que la audiencia pueda
sentir el pulso de la tierra y conectarse con la misma y asi
convertirse parte de todo.

Link: https://waag.org/en/article/wandering-mind-ai-residency

Zaria Forman es una artista que se dedica a realizar pinturas hiperrealistas de imágenes de icebergs y de entornos polares en general. Su objetivo es visualizar las problemáticas ambientales más preocupantes tales como el calentamiento global y el aumento del nivel del mar. Como curiosidad, no utiliza ningún pincel ni instrumento para pintar más que sus manos.
Esta artista acompañó al equipo de la Operación IceBridge de la NASA que en 2017 voló sobre el hielo continental de Groenlandia. El objetivo de esta operación, al estudiar los cambios anuales en el grosor del hielo, es ayudar a entender cómo el calentamiento global afecta a las regiones polares. Estas mediciones, que se realizan con unas ondas que son emitidas a través
del casco glaciar y rebotan en la roca madre, les permite a los científicos calcular la velocidad de deshielo de los glaciares y así anticipar el incremento del nivel del mar. Zaria realizó una
serie de fotografías en esta expedición para usarlas luego como inspiración para sus próximas obras. Su objetivo en estas es hacer que la gente conecte de manera más cercana con paisajes tan ajenos y que están cambiando de manera rápida.

Mini documental: https://www.youtube.com/watch?v=kCe940kcz-8
Documental completo (realizado por el acompañante de Zaria, Jenny Nichols):
http://pongomediaproductions.com/portfolio/colors-of-change/
Obras: https://www.zariaforman.com/nasa-1

TEAMLAB

teamLab fue fundado en 2001, como un colectivo de arte, cuya práctica colaborativa
busca navegar por la confluencia del arte, la ciencia, la tecnología, el diseño y el mundo
natural.
Tiene su sede en Japón y reúne a profesionales de diversos campos de la práctica en la sociedad digital: artistas, programadores, ingenieros, animadores de imágenes por ordenador, matemáticos, arquitectos, diseñadores y editores de gráficos web.
En Junio del 2018 presentaron su museo permanente de arte digital: el teamLab Borderless en el edificio MORI de Tokio.
El museo cuenta con dos aspectos importantes: Una experiencia artística hacia un futuro de ciencia ficción, y una apreciación de la naturaleza y la búsqueda de un equilibrio entre arte, ciencia, tecnología y creatividad.

Imagen artística

a. Panspermia (2019) de la artista Sofía Crespo, una serie de 60 videos cortos y un video de 3 min.

b. Imagen digital creada con machine learning, extraída de clips generados a través de inteligencia artificial.

c. Por lo que se puede observar visualmente podríamos suponer que esta imagen proviene de datasets relacionados al espacio/cuerpo celestes y a algún tipo de organismo microscópico.

d. Panspermia se crea con el lenguaje estética del S XXI: Inteligencia artificial, en el que se utilizan tecnologías de vanguardia. Elvideo cuestiona artísticamente el surgimiento de la existencia humana/animal en relación con el microcosmos (endosimbiosis) y el macrocosmos (cuerpos celestes).

Avila Marisol (TM)

Imagen científica

a. Imagen microscópica de los testículos de una mosca de la fruta (2019) del biólogo Ben Walsh.

b. Manchó los testículos de una mosca de la fruta disecada con tinte fluorescente para ilumar las estructuras de los órganos, que luego capturó a través de un microscopio usando la cámara de su iPhone.

c. Por lo que se puede observar visualmente podríamos suponer que es una imagen microscópica como así también de origen biológico pero a su vez bastante difusa la interpretación de su procedencia a primera vista.

d. Al biólogo le interesa centrar su investigación en cómo el cambio climático y el impacto de temperaturas extremas afecta a la fertilidad de los animales, plantas y hongos.

Avila Marisol (TM)

“Le rêve” (“El Sueño”) (1904), del pintor francés Odilon Redon.
Pintura al óleo.
Pueden notarse claramente los trazos del pincel y la textura característica de un cuadro de pinturas al óleo sobre tela.
El carácter simbolista de la obra, al ser un estilo precursor de lo que luego sería el surrealismo, elude una determinación precisa de los objetos pictóricos y crea una atmósfera onírica abordando el material visual que ofrecen los sueños. Denota la fascinación de la época por la experimentación con el color.

Ascidias (Ascidiae), en “Kunstformen der Natur” (“Obras de arte de la naturaleza”) (1904), placa 85, del biólogo alemán Ernst Haeckel.
Litografía, trama de semitonos.
La impresión litográfica era muy común en los libros de ilustraciones científicas de estas épocas, y la imagen comparte muchas similitudes comparándola con sus contemporáneas. En este caso cabe resaltar la complejidad de la paleta, ya que para realizar la impresión aparentemente era necesaria una piedra distinta para cada color.
Se representan animales marinos, ya que es un libro de biología. Denota la fascinación del siglo XIX por catalogar al reino natural y representar lo “oculto”. A lo largo del libro, es notable el uso de la simetría y el nivel de organización según la complejidad de los organismos.

a) “Gathering for Gardner Dragon”, circa 2009. Construido en base a modelos del mago e ilusionista americano Jerry Andrus en honor al matemático Martin Gardner.
b) Impresión a color en papel, doblado siguiendo instrucciones específicas.
c) Las sombras y la iluminación pueden llegar a dar cuenta de que en realidad se está viendo una cara hueca.
d) La ilusión es un ejemplo de la descrita “Ilusión de la cara hueca” (“Hollow-face illusion”), en la que la percepción de una máscara cóncava nos parece una cara convexa. Debido al fenómeno psicológico de la pareidolia, el cuál enuncia que un estímulo vago o incompleto tal como una imagen puede ser percibido erróneamente, comúnmente asociado a la visualización de rostros donde no los hay (por ejemplo en nubes u otros objetos inanimados), sumado al hecho de la perspectiva alterada de la forma cóncava, resultan en una contradicción en el cerebro: las señales que se obtienen a medida que uno se mueve alrededor del dragón se mezclan, resultando en la ilusión de una cara en movimiento que nos sigue con la mirada (al contrario que una cara convexa fija, que parecería mantenerse mirando a un punto fijo).

(Mariano Ferreras)

La artista María Ignacia Edwards (CL), fue la primer residente del ESO (European Southern Observatory), una organización interguvernamental que tiene su sede en Munich y sus instalación de observación espacial en Chile. Fue fundado en 1962, y hoy en día consiste en distintos observatorios que ayudan a realizar importantes descubrimientos astronómicos; han construído y operado algunos de los telescopios más grandes y tecnológicamente avanzados del mundo. Las residencias en el ESO, que comenzaron en 2015, le han dado a los artistas la oportunidad de visitar el observatorio de La Silla, el “Very Large Telescope” en el Observatorio Paranal, y el “Atacama Large Millimeter/submilli-meter Array” (ALMA) en el Cerro Chajnantor. También les ha permitido a los artistas que participaron interactuar con científicos e ingenieros que los usan para sus investigaciones. El resultado de la residencia de Edwards fue la obra “Encounters” (2015) en la cuál además de crear objetos estéticos que juegan con el equilibro de distintos pesos y contrapesos, sus construcciones son el resultado de elaborados cálculos matemáticos y físicos fruto de su experiencia en La Silla y el ALMA; pudo crear instrumentos móbiles que son capaces de capturar el movimiento de piezas que se encuentran en lugares distantes por medio de un mecanismo que hace referencia al tiempo y al movimiento del universo.

https://ars.electronica.art/futurelab/en/project/encounters/

(Mariano Ferreras)

Se encuentran estos pequeños visores que contenían una foto (diapositiva) en su interior. En los restaurantes, en los salones de fiestas, en los centros nocturnos, en los circos, en los festivales escolares, en las ferias, en las plazas públicas… en fin, en muchos lugares existían fotógrafos que vendían este tipo de visores.

Los fotógrafos que trabajaban este tipo de “recuerditos” tenían que revelar su película al instante para poder ensartar al cliente antes de que este hiciera mutis del lugar en donde le habían tomado la foto. Seguramente los fotógrafos tenían su pequeño laboratorio de revelado por ahí en algún rinconcito. Los visores no eran costosos así que normalmente la gente compraba la foto del recuerdo sin pensarlo dos veces.

Ambos artistas e ingenierixs electricxs y mecanicxs, repiensan el diálogo entre las diferentes tecnologías y los seres humanxs. Crean encuentros sensoriales e
íntimos que invitan al público a percibirse como sumas conectadas de partes conectadas. De esta forma construyen HearThere, un dispositivo inteligente para auriculares que permite ampliar nuestra percepción y atención, conectando a un usuarix a redes de sensores distribuidos en el entorno.

Sobre HearThere
https://slowimmediate.com/hearthere

HearThere de Slow Inmediate
Xin Liu y Gershon Dublon - MIT Media Lab

1990
a.Pale blue dot (14 de febrero de 1990) es una fotografìa de la Tierra.
b.Fotografìa realizada con cámaras de la sonda espacial Voyager 1.
c. Imagen de la Tierra a unos 6000 millones de kilómetros de nuestro planeta, pertenece a una serie de fotografías realizadas por una sonda antes de que sus cámaras se apagaran.
d.El pequeño punto en el espacio, la Tierra como pixel es una de las tantas fotografìas que se realizaron durante el siglo pasado y que registran el auge de la exploración espacial.

1873
a.Galileo en la Universidad de Padua demostrando las nuevas teorías astronómicas (1873) de Félix Parra
b.Pintura, óleo sobre canva
c.Puede observarse contraste de luz y sombras en la pintura, haciendo posible visualizar el origen de la luz en el cuadro.
d. Sensación de realismo. Fue realizada por el pintor en un momento donde en su Escuela de Bellas Arte estaba en boga el debate entre la tradición religiosa y su contraparte, el pensamiento moderno cientificista y laico (representado por Galileo).

Siempre me interesó la neurociencia y el estudio de nuestro funcionamiento corporal. No me fue difícil encontrar artistas que se interesen en el funcionamiento cerebral y trabajen y/o experimenten sobre esto. Susan Aldworth es una artista visual que vive y trabaja en Londres. Es profesora asociada en la Maestría de Arte y Ciencia en Central Saint Martin’s, Londres. Aldworth estudió filosofía en la Universidad de Nottingham y bellas artes en Sir John Cass, Londres. Ella es una grabadora y cineasta experimental con un gran interés en investigar el funcionamiento de la mente humana, especialmente la conciencia, el sueño y nuestro sentido del yo. Su fascinación por el cerebro la ha guiado a lo largo de toda su obra. En una entrevista, la artista cuenta: "Soy una artista que trabaja con el cerebro hace 12 años, especialmente con neuroimagenes. Las neuroimágenes son una parte verdaderamente interesante de la información visual que tenemos hoy en día. Las neuroimágenes estan en todos lados, podemos ver dentro de un cerebro vivo y trabajando. He visto dentro de mi cerebro y es un momento fascinante y filosófico." Aldworth ha desarrollado técnicas de impresión experimentales para realizar sus ideas, incluidos los grabados históricos de Transience (2013) (los primeros) impresos directamente del tejido cerebral humano.
(Lorenzo Di Marco TN)

Liceti fue un médico y filósofo italiano,1 autor de una extensa serie de publicaciones sobre numerosos temas, que abarcaron desde la embriología hasta la astronomía.

Su trabajo más famoso en el campo de la generación de los embriones fue ''De monstruorum causis, natura et differentiis''.

En esta obra, Liceti describió y clasificó una variedad de anormalidades del desarrollo y, por primera vez, las clasificó basándose en su morfología y no en su causa. Liceti, aun así, argumentó explicaciones para estas anormalidades, incluyendo la estrechez del útero, problemas con la placenta, y la adhesión del fluido amniótico con el embrión. Fue así el primero en reconocer que las enfermedades fetales podían producir la malformación de la descendencia.

El estilo de dibujo es un estilo popularizado por los dibujos de carácter más científico de la época, la textura obtenida es muy similar a la de grabados sobre metal, utilizando técnicas de sombreado conocidas como ‘’Cross hatching’’. Su materialidad es tinta sobre papel.

Los dibujos de Liceti me parecieron interesantes en contraposición a ''La masacre de los inocentes'' (Contemporáneo en época y lugar), ya que la fidelidad anatómica y científica es mayor en la obra artística que en el estudio científico sobre malformación embrionaria.

Imagen artística
A- A Little Fireworks, Alan Friedman (2019)
B- Fotografía digital (Telescopio refractor apocromático Astro-Physics Stowaway 90 mm en f / 20, filtro de etalón Coronado SolarMax 90 mm, montura ecuatorial alemana Astro-Physics, cámara Point Grey Research Grasshopper, exposición de 33 milisegundos)
C- Un primer plano del limbo solar, haciendo parecer fuegos artificiales al mismo. Denotan la utilización de un rojo intenso generando la incerteza acerca de la naturaleza de la foto en particular. La tonalidad se ha invertido para expresar la profundidad y el contraste de las características de la cromosfera del Sol.
D- La calidad y la lucidez de la foto remarcan las posibilidades actuales para capturar, con maquinarias especializadas, astros lejanos. Usa la lejanía y el horizonte de manera que se pueda divisar, sutilmente, la figura del sol.
(Lorenzo Di Marco TN)

Imagen científica
A-The active area, Gabriel Corban (2019)
B-Fotografia digital (Sky-Watcher Equinox ED120 refractor telescope, Daystar Quark Chromosphere filter, Sky-Watcher EQ6 Pro mount, FLIR Grasshopper GS3-U3-23S6M camera, 3780 mm f/37.5 lens, 120 x 0.012-second exposures)
C- Esta imagen representa una mancha solar en la creciente región activa 12714 y muestra una dinámica de plasma dramática, con los diferentes tonos de color que simbolizan la temperatura variable del plasma.
D-Al contrario que la otra imagen, esta foto en particular se centra en la cercanía del Sol. Es desde este ángulo donde el registro de esta estrella como tal desde nuestra perspectiva se hace confuso, ya que al no ver su forma global no podemos comprender la procedencia particular de la foto. Gracias a las tecnologías actuales se mapea, con los colores, los distintos grados de calor. Además, a partir de este mapeo se comprenden en el Sol, distintas texturas.
(Lorenzo Di Marco TN)

‘’Tree’’ M.I.T Media Lab.

Tree es una experiencia táctil y de realidad virtual totalmente inmersiva, en la que el espectador pierde su rol de observador, y pasa a ser el protagonista de la historia.

Con un traje sensorial de cuerpo entero tu cuerpo pasa a ser el tronco y tus brazos las ramas de un árbol en una selva de Perú.

El enfoque del proyecto es experimentar con la ilusión de identidad y de cuerpo, y como unx lo experimenta. Tu cuerpo y vivencias pasan a ser las de este árbol, y las sensaciones se crean mediante el previamente mencionado traje de cuerpo entero que controla precisamente elementos físicos como vibración, calor y hápticas del cuerpo. No solo esto, sino que busca también romper con el adormecimiento tecnológico que
experimentamos día a día, donde los dispositivos nos quitan sensaciones y percepciones, y hacer exactamente lo contrario, en vez de adormecer nuestros sentidos, usar la tecnología para fomentarlos y crear experiencias nuevas que nos brinden vivencias y puntos de vista imposibles para el cuerpo humano por si solo.

Praxinoscopio, Émile Reynaud

El praxinoscopio es una mejora del invento anterior de Raynaud, el Zootropo.

Buscaba conseguir una manera de darle movimiento a las imágenes pero de una manera más fluida. A esta mejora luego la combina con la linterna mágica y paso a proyectar estas imágenes. Se consideran los primeros dibujos animados.

El espectador mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor. Como resultado la persona observa una secuencia nítida, una animación estable donde las imágenes se fusionan y logran el efecto animado.

Teleidoscopio (1970)
Es una variante del caleidoscopio, posee la misma estructura de tres espejos internos que forman una prisma triangular. La diferencia se basa en que al final del teleidoscopio se encuentra una lente con la que capta imágenes del exterior.

Berenice Abbott (1958), Multiple Exposure of a Swinging Ball.

Fotografía analógica tomada utilizando el proceso de gelatina de plata.
El contraste entre el fondo negro y la bola enfocan nuestros ojos en el movimiento captado por las múltiples exposiciones dando la ilusión de movimiento.
La fotografía pertenece a una serie de fenómenos documentados por Berenice en un libro de física, la finalidad era generar interés en la materia más que enfatizar en la memorización. Su idea era democratizar el conocimiento científico utilizando la fotografía como medio entre la ciencia y quienes no poseen conocimientos sobre ella a través del atractivo minimalista y abstracto de estos fenómenos.

A-La habitación de Ames y su alteración utilizada en las pelìculas de El Señor de los Anillos (2001).
B-Los elementos utilizados en esta pelìcula, además de objetos de distintos tamaños para generar la ilusión de grandeza o pequeñez frente a estos objetos, son cámaras y plataformas movibles.
C-Ante el desafío de alterar la estatura verdadera de les actores, para distintes personajes de la pelìcula, les realizadores de El Señor de los Anillos, adaptaron esta vieja ilusión óptica a esta versión cinematográfica. Fuera de la particularidad tecnológica de esta versión que necesita de plataformas en movimiento, esta misma ilusión puede ser hecha con una habitación de Ames, sin necesidad de tener plataformas en movimiento.
D-La habitación de Ames, fue inventada por el oftalmólogo estadounidense Adelbert Ames, Jr en 1946.Es una habitación que parece normal si se ve de frente y en el centro, pero en realidad es una habitación trapezoidal: el suelo, las paredes y el techo están inclinados. En este caso en particular la ilusión es creada a partir del movimiento de la cámara acompañado por el movimientos simultáneo de una plataforma que contiene a une intérprete arriba.
(Lorenzo Di Marco TN)

a) Células de cáncer de próstata,
2017. De James E. Hayden.
b) Micrografía. fotografía digital
c) La definición de la imagen, los
colores.
d) Al tratarse de una imagen
microscópica y por el nivel de
detalle se puede deducir que
pertenece a una época con
artefactos electrónicos de
tecnología avanzada. Por el nivel
de ampliación de la imagen se
puede observar que se utilizó un
microscopio electrónico.

a) Optics, Maxim Zhetskov. 2018.

b) Imagen digital proveniente de una animación en 3D.

c) Las texturas, los relieves, la composición y el tipo de luz denotan cierto componente virtual, digital. Asimismo, la imagen se percibe de una forma súper orgánica y se asemeja a los parámetros de la vida real.

d) La calidad de los gráficos, las texturas, la iluminación artificial, los distintos niveles de profundidad y transparencia son factores que implican una capacidad de procesamiento para renderizar que pertenecen a nuestra época.

He decidido investigar sobre Eduardo Kac. Se trata de un artista electrónico que ha trabajado en los campos de la robótica y la telemática proponiendo una nueva forma de arte, el transgénico. Es conocido por obras en las que utiliza la biotécnica para modificar la genética de los animales. Una de las más destacadas entre ellas es “Alba”. Alba es una coneja transgénica que bajo la luz blanca se ve como una coneja normal, pero si se la expone a la luz azul, esta se ve verde fosforescente. Creo que es un buen ejemplo en donde se combinan perfectamente el arte y la ciencia, ya que Alba fue creada en un laboratorio francés con la ayuda del mencionado artista Eduardo Kac. A pesar de que Eduardo la creó con el objetivo de llevarla a su casa para tener como una mascota, los científicos franceses se lo han negado, por lo que la coneja sigue estando en su lugar de origen, el laboratorio.
https://www.ekac.org/elmundo2001.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Kac

a. Virus de la gripe española, 1918.
b. Fotografía microscópica.
c. Es una de las primeras imágenes del virus de la gripe española bajo un microscopio.
d. Para principios del siglo XX, era muy novedoso poder conseguir una imagen tan cercana al virus. Resultaba muy interesante darle “forma“ a lo que se enfrentaba la población en ese entonces.

a. Z VII, 1920.
b. Cuadro.
c. Esta es una obra de László Moholy Nagy, artista que trabajó en la composición de abstracciones geométricas propias de la época.
d. Este tipo de obras comenzaron a surgir en el 1920 y forman parte de Arte Abstracto. Sugiere la utilización de formas geométricas sobre espacios irreales. Muchas veces el objetivo era crear una imagen que se acercara a lo tridimensional, como en este caso. Era un tipo de arte que intentaba alejarse de lo que habían sido los diferentes estilos de arte en años anteriores.

1. Ilusión de Zollner.
2. Imagen digital.
3.Todas las líneas diagonales, son rectas y paralelas entre sí. Lo mismo ocurre con las horizontales y verticales.
4. Debido a la ubicación de las líneas cortas en cada línea diagonal, se da la ilusión de que estas últimas no son paralelas entre sí, cuando en realidad sí lo son. Nuestro cerebro las interpreta como si estuvieran torcidas.

Bridget Riley (1962), Blaze 1.

Pintura óptica realizada con emulsión sobre fibra de madera.
La obra está formada por una sucesión de círculos concéntricos hechos de zig-zags.Los “zigs” de un círculo se encuentran con los “zags” de otro generando la ilusión de movimiento rotativo y la apariencia de espiral a simple vista.
Pertenece al movimiento artístico llamado op-art. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

Jaula, 2020.

Video digital.

Un frame de jaula, un frame de pájaro, a 30 cuadros por segundo.

La ilusión se produce al intercalar las dos fotos, la idea es hacer un intento de taumatropo digital

Carbon Black, 2017-2018. 15 fotografías impresas en tinta de carbón de 100x150cm, partículas de negro de carbón, cartografía

En esta obra, Anais Tondeur trabajó en colaboración con lxs modeladores de climas de la comisión europea Rita Van Dingenen y Jean Philippe Putaud.

Fair Isle es una pequeña isla perteneciente al Reino Unido ubicada al norte de Escocia con una población de apenas 55 personas donde la mayoría de la gente trabaja en un observatorio de aves migratorias. Sin embargo, a pesar de la ausencia de fábricas, los pocos vehículos y la escasa cantidad de chimeneas, sus habitantes sufren de asfixia cuando el viento sopla desde el sur.
En 2017 el médico de la isla descubrió la presencia de partículas de “negro de carbón” en el corazón de la hija del ornitólogo.

Anais Tondeur informó de esta situación a Rita Van Dingenen y Jean Philippe Putaud, trabajadores de la Comisión Europea que rastrearon el recorrido de las partículas que el viento lleva hasta la isla.

Así, la artista emprendió una expedición siguiendo el mismo recorrido del negro de carbón, creando un registro fotográfico de los cielos de varios lugares afectados por estos agentes nocivos para la salud. Además, en cada lugar usó barbijos blancos nuevos, en los cuales quedaron impregnadas diferentes cantidades de negro de carbón.
JP Putaud extrajo las partículas de los barbijos e hizo tinta con ellas.
Con esta tinta, Anais Tondeur imprimió sus fotos, por lo que el nivel de negro de carbón de cada lugar quedó impregnado en las fotografías de sus cielos.

Lux Aeterna (poster), 2019.

Fotografía digital.

Imágenes capturadas con iluminación artificial.

De nuevo aparecen las luces de colores como marca de estilo actual. Las dos imagenes del poster tienen bordes fundidos a negro que generan un efecto de borroneo parecido al desenfoque del caso científico. También se utiliza una paleta de colores neón en las luces (no sólo en el poster, sino también en el film).

Single Atom in Ion Trap, 2017.

Fotografía digital.

El atómo se ve suspendido por lo que parece ser un inductor de campos eléctricos o electromagnéticos. se ve que ademas tiene luces rojas, azules y violetas que iluminan el dispositivo. Ademas se puede apreciar el lente especial usado ya que tiene una aberración bastante particular y tiene un marco circular.

El fotógrafo pone flashes con gelatinas de colores para darle aspecto de foto publicitaria contemporánea. Esta marca de estilo está basada en la estética visual actual, así como los bordes desenfocados con luces rebotadas y la elección de colores tipo neon le dan un efecto que actualmente consideramos “futurista”.

La novela del escritor francés Marcel Proust ''En busca del tiempo perdido'' fue escrita entre 1908 y 1922 y consta de 7 partes que fueron publicadas entre 1913 y 1927. Es considerada una de las obras más importantes de la literatura francesa, y el aporte que realiza a la ciencia es algo que los científicos apenas lograron averiguar hace unos años. Es algo que de verdad sólo se puede aprender a través de la experiencia. Entre tantos temas en los que el autor exhaustivamente profundiza en la novela, a través de sus distintos personajes y de su permanente guía narrativa en primera persona, uno de los más importantes es el tiempo, cómo se registra en nuestra memoria, y qué conceptos implica a lo largo de la vida de un ser humano (edad, amor, enfermedad, muerte, etcétera). Hace casi 120 años, en la última parte llamada ''El tiempo recobrado'', Proust nos expresa su convencimiento de que el tiempo lo podemos recuperar a través de estímulos y sensaciones que por familiaridad logran reensamblar y recuperar situaciones pasadas, explicando cómo nuestra memoria registra los recuerdos. Así es cómo el aroma de un plato de nuestra comida preferida, el sonido de una canción que ya escuchamos, la textura de un material, o la imagen dentro de un portaretrato pueden despertar un mundo inmenso de sensaciones, que pensamos que habíamos perdido con el tiempo en el que las sentimos.

A) Lateralus, 2001 (arte de tapa del disco de la banda Tool)
B) Óleo sobre madera
C)La ilustración tiene un carácter fantástico que remueve toda posibilidad de que sea una fotografía u otro tipo de captura realística.
D) La dirección visionaria del arte comenzó en los 60’s psicodélicos. Esta época llevó a que los artistas buscaran expresar imágenes visualmente agresivas, buscando trascender el mundo físico, pero aún proponiendo la idea de un mundo diferente o, en este caso, relacionado al nuestro. La anatomía incluida en la obra está relacionada con la conceptualidad y mensaje del disco, que habla sobre la vida humana, sus aspectos, y sus distintas etapas.

A) Ferrofluido, 2002
B) Fotografía digital
C) El claro y fino detalle de la imagen nos delataría de que se trata de una fotografía. No hay trazo o ilustración aparente dentro de la foto.
D) La sofistificación dentro de la modernidad de las herramientas que tenemos disponibles para explorar el mundo y documentarlo se relaciona íntimamente con la definición y época de la imagen. Felice Frankel, la fotógrafa responsable de la foto, además, insiste en que todo tipo de manipulación adicional de la imagen debe ser revelada para no engañar al observador, y admite sólo haber utilizado técnicas como inversión de grises o la manipulación apropiada de los colores en su carrera.

Título y año: Folioscopio, 1868
Material de soporte: libro / cuaderno con páginas de papel
Producción: podemos notar por los trazos de las imágenes individuales de los primeros folioscopios que son ilustraciones, además de que el mecanismo de ilusión o animación es completamente manual en lugar de ser mecánico o automático.
Mecanismo: un folioscopio es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse, simulando un movimiento u otro cambio.
Los folioscopios son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la típica forma de verlo, es tener el folioscopio con una mano y pasar las páginas con el pulgar de la otra mano. Es por esto último que se le ha acuñado al dispositivo el término ''cine de pulgar'' que refleja este proceso.

Juan Froidevaux

El MUNTREF, el laboratorio de Neurociencia de la Di tella y el Ars Electronica Futurelab de Austria fueron elegidos para una residencia de artistas de Inteligencia Artificial. (2019)
“El Laboratorio Europeo de Inteligencia Artificial (AI Lab) lanzó una convocatoria dirigida a artistas de todos los países para realizar una residencia durante 2019 en el MUNTREF Centro de Arte y Ciencia, el Laboratorio de Neurociencia de la Universidad Torcuato Di Tella y el Ars Electronica Futurelab de Linz (Austria).
El AI Lab es un desprendimiento de la Red Europea de Arte Digital y Ciencia y su objetivo es mostrar de una manera creativa no sólo las dimensiones tecnológicas y económicas de la inteligencia artificial, sino también sus aspectos culturales, filosóficos, psicológicos y espirituales para la construcción de una sociedad más crítica y reflexiva.
(..)
Como señaló el coordinador de la Licenciatura en Artes Electrónicas de la Universidad, Mariano Sardón, la elección del museo de la UNTREF no es casual ya que se ha constituido en un “espacio nodal para las interacciones de artistas y científicos” y “en una incubadora de proyectos interdisciplinarios”. “

https://www.untref.edu.ar/mundountref/muntref-cac-inteligencia-artificial

http://arteyciencia.untref.edu.ar/home

A) Representación artística de agujero negro en la película interstellar(2014)
B) (Este es un fotograma de una parte animada de la película Interstellar.
C)Debido a que no solemos ver agujeros negros en la vida real podemos inferir que se trata de una imagen realizada en algún software digital.
D) Al ser esta una película que en la realización del guión primó la rigurosidad científica, la representación artística fue basada en hipótesis visuales a partir de cálculos matemáticos que teorizan sobre los agujeros negros, lo cual en sí representa la particular percepción visual que tenemos en esta época sobre este tipo de proyectos: los avances de la ciencia los condicionan.

A)Fotografías del descenso de la sonda Huygens sobre Titán(uno de los satélites de Saturno).
B) Fotogramas
C) En todas las fotos podemos ver que se uso un gran angular, en este caso un ojo de pez. Es entendible: se trataba de descubrir lo más posible y tener un rango de visión lo más amplio posible.
D) Nuevamente esta fotografía representa la actualidad que vivimos con respecto a las representaciones visuales de la época: hoy en día la exploración espacial avanza cada dia mas. Las teorías y los cálculos previos son confirmadas con estas fotografías.

a- Kinoscopio, 2016 de proyecto Animatica
b- Estructura realizada en madera y metal
c-Es un juguete óptico estandarizado para su comercialización
d. Es un folioscopio mecánico. Contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente y que estàn colocadas sobre un cilindro. Con una manija se pone en movimiento el cilindro y las imágenes se pasan rápidamente permitiendo crear la ilusión de movimiento.

Image fulgurator x Julius von Bismarck's, 2007
Utilizando el mecanismo de las cámaras analógicas Reflex, el artista alemán Julius von Bismarck’s crea el dispositivo “Image Fulgurator” invirtiendo su función normal de capturar imágenes al insertar una placa metálica perforada con láser en el lugar de la película, lo convierte en una especie de proyector de diapositivas que utiliza la luz esporádica del flash en lugar de una luz continua. Esto quiere decir que es necesaria la operación de una cámara adyacente para que la intervención ocurra y sea finalmente visible únicamente en la imagen final capturada por la cámara ajena. Lo que crea la aparición en la imagen capturada de intervenciones que al observar en tiempo real el espacio no están ahí, de ahí su carácter de ilusión. Lo que me resulta particularmente interesante de este proyecto es que opera en la captura de imagen de otro dispositivo, y de hecho es la única manera de que la ilusión sea posible.

Mirascopio, patentado en 1971 por Virgil Elings y Caliste Landry.
El mirascopio está formado por dos espejos cóncavos situados uno sobre el otro y enfrentados entre sí y con el punto focal de cada uno ubicado cerca del vértice del espejo opuesto. El espejo superior tiene una agujero en el centro por el que puede entrar la luz a la cámara que se forma entre ambos.
Si se pone un objeto pequeño en el centro del espejo inferior, se genera una ilusión óptica tridimensional y espejada sobre el agujero del espejo superior, donde está el punto focal del primer espejo. Esta ilusión se debe a la forma en la que la luz y el objeto se reflejan dentro del mirascopio y a que, cuando sale de la cámara de espejos, se cruza con la luz entrante en el punto focal.

Brian Eno - Apollo: Atmospheres and Soundtracks
En 1969 el hombre americano ‘ganó’ la carrera espacial al llegar a la luna con la misión Apollo 11. Este acontecimiento (el cual fue televisado) marcó la vida de muchas personas, entre ellas del compositor musical Brian Eno, quien en ese entonces tenía 21 años de edad. Años después, en 1983, compone ‘’Apollo: Atmospheres and Soundtracks’’, en colaboración con la NASA, para acompañar musicalmente un documental con registros de la misión. Al pensar en arte relacionado con la ciencia me viene a la mente esta obra, que si bien no incluye métodos científicos como parte de su proceso de desarrollo, demuestra cómo los dos mundos pueden coexistir y hasta inspirarse entre ellos.

‘’El ojo mágico’’ (1993)
Libro de ilusiones ópticas.
Si bien uno de los subtítulos indica que son ilusiones 3d, la imagen no es necesaria de dispositivos como lentes 3d para apreciarlas.
Cada ojo percibe una imagen en 2D y cuando se mezclan ambas se consigue el efecto tridimensional.

Hallazgo de agua salada en marte (2004).
Foto satélite por la sonda europea ‘’Mars Express’’.
La foto fue tomada en verano, una vez que el agua se había descongelado.
Es la primera fotografía que pone en evidencia la posibilidad de otras formas vivientes fuera de la tierra

Arte de tapa de ‘’Pulse’’, álbum de Pink Floyd, por Storm Thorgerson (1995).
Ilustración digital.
Utiliza elementos relacionados con la vida y el universo en modo de collage, y los relaciona con el ojo humano (que es el centro de la tapa).
Ya hace más de dos décadas había comenzado la carrera de los humanos por la llegada al espacio y su ‘’conquista’’.

Richard Hamilton, "Just what is that makes today’s homes so different, so appealing?" (1956)
Collage de 26 cm x 24,8 cm

Realizado con recortes de revistas de decoración y moda norteamericanas de la década del 50.

Esta obra de arte pop compuesta de manera íntegra por recortes de revistas nos deja ver con claridad los ideales que promovía la sociedad de consumo en ese entonces.
Algo característico de la técnica de collage es lo robótica o mecánica que resulta la acción de recortar y pegar, este detalle es importante de recalcar ya que en esta época de posguerra con el aumento de consumo que parecía ser una salvación también era muy común la adquisición de electrodomésticos o distintas tecnologías producidas en serie que hacían al ocio y a la mayor calidad de vida de la sociedad moderna.

Emil Kleiman (TM)

Bryon Gysin e Ian Somerville, "Dream Machine" (1958)

Una Dream Machine o Máquina de los sueños, consiste en un cilindro con aperturas cortadas en sus lados sobre una plataforma que gira a 78 o 45 revoluciones por minuto. En su interior se coloca una bombilla y la velocidad de giro permite que la luz salga por las aperturas con una frecuencia constante de entre 8 y 13 pulsos por segundo.

El dispositivo produce una luz estroboscópica y para poder ver los patrones de colores que produce el usuario debe utilizarlo con los ojos cerrados.
El rango de frecuencia en el que parpadea su luz corresponde a las ondas alfa, oscilaciones eléctricas que normalmente están presentes en el cerebro humano cuando está relajado. Por esto último la maquina es conocida por su capacidad de poner a sus usarios en trance.

La Dream Machine fue creada luego de haber leído el libro “El Cerebro Viviente” de William Grey Walter, un neurólogo especializado en neurofísica y robótica, al autor de la obra se lo introdujo a este libro tras haber experimentado una alucinación que generó en él un deseo de recrearla con alguna tecnología/ dispositivo.

Emil Kleiman (TM)

Burroughs probando la maquina de Gysin

a) Magic Lantern/Linterna Mágica, siglo XVII.

b) El artefacto consistía en una cámara oscura con un juego de lentes y un soporte corredizo en el que se colocaban las transparencias pintadas sobre placas de vidrio. Estas imágenes se iluminaban con una làmpara de aceite, y para que el humo pudiera tener salida se dotaba al conjunto de una vistosa chimenea.

c) La linterna mágica se desarrolló a partir de las sombras chinas. Durante el S XVIII, se introdujeron mejoras técnicas. Las mejoras no se limitaron sólo a las linternas, también afectaron a las placas de vidrios, con las que se consiguió reproducir el movimiento a partir de la proyección simultánea de placas, utilizando mecanismos como el encadenamiento y la superposición de imágenes. La linterna sufrió un cambio fundamental en su diseño con la invención de la lámpara incandescente y del arco voltaico. Su aplicación sustituye con inmensa ventaja la iluminación por la lámpara de aceite. Poco después aparece la fotografía, con lo que las transparencias pintadas son sustituidas por diapositivas, y la linterna mágica es virtualmente una ampliadora fotográfica.

d) La linterna mágica funciona a base de un espejo cóncavo colocado en la parte trasera de una fuente de luz con el objetivo de dirigir toda la luz posible hacia una pequeña lámina de vidrio rectangular - la diapositiva - donde estará la imagen a proyectar, que delante, en la parte frontal del aparato, tendrá una lente. Esta se ajusta para enfocar adecuadamente el plano de la diapositiva a la distancia de la pantalla de proyección, que puede ser, simplemente, una pared blanca, y por lo tanto formará una imagen agrandada de la diapositiva en la pantalla. Algunas linternas, usan tres lentes.

Avila Marisol (TM)

Ferrofluido de Felice Frankel (2002)

Una gota de ferrofluido de 3 cm en un portaobjetos de vidrio. Un trozo de papel amarillo se encuentra debajo de la diapositiva y un conjunto de 7 pequeños imanes circulares debajo del papel afectan a la gota. El ferrofluido es un coloide de pequeñas limaduras de hierro suspendidas en aceite.

Fotografía tomada con un cámara digital.La luz presente sobre la gota proviene de un ventanal, y sobre la gota la fotógrafa sostiene una carta de color verde, para sumar otro color a la composición.

Esta imagen es curiosa porque no sabría como categorizarla, según la autora es una invitación a profundizar en nuestros conocimientos científicos a través de una fotografía. Se puede observar el fenómeno del magnetismo mediante la visualización de los campos magnéticos producidos por los 7 imanes utilizando la gota de ferrofluido. De una manera amigable, a través de la estética y el impacto visual se nos introduce en el mundo de la ciencia y las tecnologías que son parte de nuestro contexto actual de forma muy activa. Sin embargo, su finalidad no me resulta clara porque siento que de alguna forma abarca ambos conceptos de imagen (artística y científica ) Emil Kleiman (TM)

a- Primera imagen de la tierra desde el espacio. (24 de octubre de 1946)
b- fotografia analogica
c- dicha foto fue tomada con una cámara Devry de 35 mm , protegida por una carcasa de acero por si sufria algún impacto.Esta fue enviada al espacio por medio de un cohete V2 a finales de la segunda guerra mundial.
d- la calidad de la imagen y su representación en byn, demuestra la antigüedad de la misma

a- Antonio Berni: "Manifestación" (1934)
b- óleo sobre arpillera
c- Representación de la clase obrera.
d- la temática de la pintura está envuelta en la crisis de los 30´ , con el desempleo, la pobreza, el nazismo, el fascismo y la guerra civil española.

a- Fenaquistoscopio (1829)

b- Disco coaxial

c- se hacían en dichos discos, varios dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligeramente diferentes.

d- para que este juguete funcione, se le hacia una mirilla al disco, luego si mirabas por esta misma frente a un espejo y girabas el circulo, se creaba así la ilusion optica.

TreeSense por Slow Inmediate (2017)

Este proyecto es un sistema sensorial de realidad virtual que transporta al espectador a la vida de un árbol. Su finalidad es la de generar una conexión personal la cual se consigue gracias al trabajo con distintas sensaciones, como la estimulación muscular electrónica, la alteración sensorial integral a través de la visión, el sonido, el olor, la vibración, la temperatura y el viento, creando así un gran nivel de realismo.

Esta experiencia juega con la percepción sensorial del público, y logra uno de los objetivos que busca Slow Inmediate, que es la importancia de la inmediatez entre el ser humano y el medio ambiente.

1910. Albert Henry Munsell fue un pintor y profesor de arte, el cual terminó siendo más reconocido por haber creado un sistema de color el cual fue aceptado a nivel global el cual está basado en 3 ejes formando una figura tridimensional que comprende a todos los valores correspondientes a la paleta cromática de color. Un eje de tono/matiz, otra de luminosidad y otra de saturación.

a- Células gliales de la médula espinal del ratón (1899), de Santiago Ramon y Cajal.
b- Ilustración de tinta sobre papel.
c- Hay detalles que denotan el método de producción de la obra, tales como son las manchas blancas que parecerían correcciones sobre el papel, el cual con el paso del tiempo fue cambiando de pigmentación y “amarronandose” mientras que estas correcciones realizadas con algún pigmento blanco han permanecido del mismo color y son más notorias. A la vez las letras carecen de perfección en su forma, por lo que podemos deducir que han sido realizadas a mano y no es ningún sello o maquina de la época.
d- En este caso a mi parecer carece de un código de representación ya que Ramon y Cajal también desarrolló su propia técnica para la obtención de estas imágenes, generando un resultado propio.

a- Recursion flower (2012) de Diana Lange.
b- Arte digital generativo realizado a través de programación con Processing.
c- En este caso es más difícil percibir marcas que den cuenta del método de producción, también al saber que la obra es de 2012, ya que en la actualidad existen diversos métodos/tecnologías para lograr resultados similares.
d- Me resulta una obra que es fácil catalogar dentro del arte generativo debido a su forma, con similitud con muchas obras de arte generativo en cuanto a la búsqueda estética.

Escena de película “Contact” (1997).
Largometraje rodado en fílmico.
Para la producción de esta escena la cual en cine se denomina “planosecuencia” (aunque es polémico este término ya que en la teoría para que se denomine de esta manera tiene que abarcar una secuencia entera y muchas veces solo comprenden una escena), se tuvo que utilizar un steadycam para la toma del seguimiento de la niña y otra toma en la cual se abre el espejo, pero en vez de un espejo debería haber una cartulina o material similar color verde o azul para luego reemplazar el interior del espejo con la otra toma.
https://www.youtube.com/watch?v=MER3YqETzrA
En este video se explica un poco más en detalle como podría realizarse.
La ilusión está generada ya que parecería que todo lo que vemos es a través de un espejo. Se genera un efecto inmersivo en el cual el espectador siente que sale del espejo. Al tener un seguimiento largo de la niña, el cual incluye subir escaleras, sabemos que es imposible poder registrar eso con una cámara apuntando al espejo, pero de esta manera se genera una continuidad entre poder ver el rostro de la niña y poder ver la acción con claridad tanto de la expresión de ella, como qué está agarrando y dónde, sin necesidad de un corte aparente de cámara

a- IMPENETRABLE ROOM, 2016. Iván Navarro

b- Neón, aluminio, espejo, espejo unidireccional y energía eléctrica.

c- El efecto infinito y los reflejos de la luz de neón notan el uso de espejos.

d- Para generar el efecto infinito, se requiere de una fuente de luz que se ubique entre un espejo común y el lado reflectante del espejo unidireccional. Esto hace que la luz rebote repetidas veces entre los dos espejos y eso es lo que genera la ilusión de un túnel infinito. Al apagarse la luz, se ve como un espejo común y corriente.

Mariano Sardón - ´´200 miradas recorriendo sus rostros´´

La obra fue realizada por el físico y artista Mariano Sardón en colaboración con Mariano Sigman. Se trata de la elaboración de un retrato generado por un dispositivo que permite registrar los recorridos oculares de 200 personas sobre una serie de rostros. Se buscó determinar qué es lo que ve un individuo al estar frente a una imagen, que recorrido realizan sus ojos. El objetivo fue investigar el punto de conexión entre las neurociencias y las artes electrónicas, siendo el puntapié inicial para una investigación. ¿Cómo se construye la mirada? La obra nos muestra como percibimos el mundo desde el cuerpo, como la mirada de los otros es matriz para la nuestra.